Bibliographie

 

 

2000 - 1964 

 

 

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Jack LANG

Ministre de la Culture et de la Communication - 1988

 

 

"Bon anniversaire au Taller pour ses 25 ans d'aventure artistique! Plasticiens en rupture d’ateliers, ils quittent l’Amérique du Sud pour s’installer finalement au Nord de l’Europe et inventer une nouvelle manière de vivre et de produire des images dans un espace, à la croisée des arts et du spectacle. De Montevideo à Amsterdam, de Mondrian à l’Opéra contemporain. A la ville comme à la scène, ils fonctionnent au désir. Ils conjuguent création collective et individuelle, mythes et concepts et tentent d’ajuster leur identité d’artistes au réel et à l’imaginaire des temps qui changent. Ils font l’expérience périlleuse d’une autre façon d’entrer en communication, hors des chemins balisés des normes esthétiques et sociales. Ils pratiquent à leur manière et depuis bien longtemps le dialogue Nord-Sud, le décloisonnement artistique et le brassage des cultures. Ils participent ainsi, à leur insu peut-être, à l’élaboration de la nouvelle identité culturelle de l’Europe".

 

 

 

Françoise SELORON

Ecrivaine Journaliste - 1988

 

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El Taller Amsterdam

 

De la plástica al espectáculo y viceversa.

 

“En la década del sesenta eran alumnos de Gurvich. Cuando el maestro viaja a Israel por tres años, los impulsa a crear un grupo al que llamaron Taller Montevideo. Ciertas premisas del legado torresgarciano los acompañan hasta nuestros días. Tenían apenas dieciocho años, y su consigna era trabajar 24 horas por día sin preocuparse demasiado del entorno. Hacían exposiciones y realizan murales por encargo en Montevideo, hasta que deciden viajar a Europa para seguir investigando y aprendiendo. La confrontación con el fermental dima que se respiraba en el viejo continente por aquellas décadas del sesenta y el setenta y e/impacto del arte cinético los llevó a romper con las fronteras de las artes plásticas, para internarse en una búsqueda multidisciplinaría que muchos emparentan con el espectáculo y que ellos llaman simplemente «nuestra obra». Recientemente tomaron la ópera creada por Astor Píazzolla «María de Buenos Aires», como leit motív para una puesta realizada en el imponente espacio del Atrio de La Haya. Para la ocasión fueron invitados tres actores integrantes El Galpón…”  

“…El rol principal fue representado por Alicia Alfonso, el narrador fue el director del El Galpón, Juan Carlos Moretti y un actor haciendo uno de los roles masculinos, Andrés Pazos…”

 

 

“…¿Cómo estaba conformado el grupo en aquel momento, y cómo se desarrolla la labor del mismo?

 

A.B. - Clara Scremini, Gorki Bollar, Héctor y yo, y de una forma inaudita ya que siendo tan jóvenes teníamos alumnos, Gurvich nos dejó incluso sus alumnos. Nosotros alquilamos un garage en la calle Pablo de María y empezamos a dar clases de artes aplicadas, cerámica, tapicería, dibujo, pero gradualmente llegábamos a la pintura, de una manera muy colectiva. Cada uno de los cuatro tenía alumnos y una vez por semana nos reuníamos y analizábamos lo que estaban produciendo. Con aquella concepción del honor del trabajo, incluso cuando comenzamos habíamos decidido no exponer por varios años, y fue una persona de Marcha que entró en ese lugar y dijo "pero esto es interesante, para mostralo", gran discusión, finalmente nos decidimos y luego de la primera vinieron otras, y de repente grandes murales y encargos privados, hicimos un mural de 20 metros en la Galería Caubarrere (ahora está pintado de negro). Y luego de hacer una serie de exposiciones en los lugares claves decidimos enfrentar otras situaciones. Nos invitan el Ministerio de Cultura Holandés para una visita oficial, y Francia colaboró con parte del traslado. Fuimos a Europa con la idea de investigar los centros más importantes en el arte, primero París, pero luego nos enteramos que en Londres era donde estaban pasando las cosas más interesantes, y como Londres no se puede ver en un mes estuvimos cuatro años. Ahí es cuando Kalenberg (Director del Museo Nacional de Artes Visuales) nos elige para la Bienal de París, para representar al Uruguay, corría el año 69, en ese año Ernesto Vila se había integrado al grupo…”.

 

SOCIO ESPECTACULAR, Gerardo Mantero – Uruguay 2000

 

 

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Encuentro con dos artistas uruguayos

“…La situación no es de ahora. La emigración nacional en la segunda mitad del siglo XX, aunque  tuvo picos altos de acuerdo a distintas circunstancias, es propia de los artistas. A falta de estímulos internos (desde Blanes y hasta los años treinta, las becas del gobierno duraban cuatro años en Europa), tantean en el exterior las posibilidades operativas que no tienen en el país de origen. Integrantes del Taller Amsterdam, los uruguayos Armando Bergallo y Héctor Vilche, se marcharon en la década del sesenta y luego de porfiada adaptación lograron un espacio propio, reconocido más allá de Holanda, donde viven, y Europa. De regreso temporario a Montevideo, el miércoles, a las 18.30 horas, en el Museo Nacional de Artes Visuales, contarán esa experiencia como una manera de fortalecer los vínculos. Un auténtico (re) encuentro…”.

 

LA REPUBLICA, Cultura, Artes Visuales, Nelson Di Maggio


Uruguay, 23 de octubre de 2000

 

 

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  MARIA DE BUENOS AIRES

 

1999 / 2000

 

photo: Pan Sok
photo: Pan Sok

 

Eeuw uit, eeuw in

 

Een muziektheatrale paringsdans van de overgankelijkheid

 

"...Taller Amsterdam kan zich uitleven in zijn specialiteit: theater maken op locatie. Het majestueuze stadhuis met zijn enorme overkapte binnenterrein leent zich voortreffelijk voor de gekozen opzet. Tot vier verdiepingen hoog worden in de centrale hal de loopbruggen tussen de etages gebruikt. Trappen en snelzoevende liften verbinden de hogere speelvelden met de begane grond waar zich de eigenlijke handeling voltrekt.
Maria de Buenos Aires is de stad. Zij leeft er, gaat er dood, herleeft en sterft opnieuw in een nooit aflatend yin en yang. Doorlopend is zij daarbij verstrengeld in een levens- en dodendans met haar eigen schaduw, haar transparante en duistere ik. Om haar heen: het bruisen dat bij steden hoort, uitgebeeld in tango’s van diverse snit en het af en aan lopen van voorbijgangers op de achtergrond. Nu eens zijn dat passanten van de dagelijkse realiteit dan weer slaapwandelaars in de onwezenlijkheid van de nacht. Dobbelstenen en speelkaarten in reuzenformaat verbeelden de grillen van het spel en het lot (waarbij opvalt dat een vijfde kaart de harten doubleert), een stad in miniatuur vertelt aan het slot van alles de betrekkelijkheid. Van andere, als wolken aan de lucht langs zeilende decorstukken is echter minder helder wat hun boodschap is. Drie marionetten, harlekijnen met een zoeklicht op het hoofd, verbinden theatraal de zestien onderdelen - soms louter aria’s - van het verhaal met elkaar. ‘Tangate van de dageraad’ heet een van die fragmenten of ‘Tangus dei’, waarmee de dans een welhaast religieuze lading krijgt.
In het tien verdiepingen oprijzende Atrium, hoger dan het middenschip van welke gotische kathedraal dan ook, komt de muzikale uitbeelding verrassend goed uit de verf. Stemmen worden versterkt, maar nergens zo dat de toehoorder op een dwaalspoor raakt of door overdaad wordt gestoord. Drie vocalisten, de Nederlander Armand Pol en de Uruguayanen Alicia Alfonso (Maria) en Andrés Pazos zetten fraaie prestaties neer, Pazos bovenal. De mannen beelden diverse figuren uit in het straatleven van de stad, de vrouw is uitsluitend Maria of haar schaduw. Het libretto is volledig Spaanstalig en wordt niet voorzien van een boventiteling, maar is toch in combinatie met de uitbeelding en dankzij een voorbeeldige dictie behoorlijk te volgen.
Maar eronder ligt de alles omvattende en verterende dans. Het leven en zelfs de dood is niet iets om bij stil te blijven staan. Doorlopend zweven klanken van de tango door de stad en voeden een broeierige, sfeer waarin zwart en wit elkaar bij toerbeurt in een houdgreep nemen. Doch ook de dans is feitelijk een instrument, een middel om signalen uit te zenden en welke passen en gebaren tonen sterker baltsgedrag dan juist de tango Argentino? Hier refereren zwoele klanken en akkoorden aan het oergevoel, hier wordt geleefd en boven alles liefgehad. De invitatie tot de dans is een invitatie tot de voortplanting want de stad moet verder in de tijd. Buenos Aires leeft en kolkt en bruist tot in al haar stegen en spelonken, waarbij het voortouw wordt gelaten aan de achterbuurt. Den Haag bruist mee om een drempel in de tijd over te gaan, maar bestemt daarvoor haar bestuurlijk hart. Waar Maria Miep heet en bergen duinen zijn doch het stadhuis een weidse allure heeft, wordt nog twee weken lang een spetterend spektakel neergezet".

 

HET FINANCIEELE DAGBLAD, Matthijs Smits – 3 januari 2000

   

 

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Haags Atrium perfect decor voor Piazzolla’s tango-opera

 

“…Horacio Ferrer gaf de mythe van Maria de Buenos Aires een vervolg. Begraven onder het asfalt van de stad wordt zij opnieuw tot leven gewekt door een geest die liefde voor haar heeft opgevat: de duende, afwisselend vertolkt door Bergallo en Juan Carlos Moretti, een jeugdvriend van Bergallo en directeur van het Uruguyaanse theatergezelschap El Galpon. Maria komt als schaduw van zichzelf opnieuw terecht in een wereld van spelersholen en geweld. Stap voor stap wordt haar tragische levensverhaal terugverteld, aan het begin gesymboliseerd door een wervelende tango, uitgevoerd door de Argentijnse dansers Claudia Codega en Esteban Moreno. De operita eindigt in een climax waarin Maria een oneindige reeks evenbeelden van zichzelf ter wereld brengt.
‘Maria de Buenos Aires’ gaat niet in het concertgebouw in première, maar in het Haagse stadhuis, in het Atrium van de Amerikaanse architect Richard Meier, dat een oneindige hoogte lijkt te hebben door het glazen dak. De spierwitte ‘straten’ en dwarsverbindingen geven de suggestie van een futuristische metropool die waar ook ter wereld had kunnen staan. Volgens Bergallo een perfecte locatie voor het stuk dat een link legt naar de toekomst: een multi-culturele samenleving in het volgende millennium. Dat is de boodschap van het gezelschap...”

 
“…Achter het podium speelt een orkest onder leiding van de bevlogen Spanjaard Josep Vicent, percussionist in het Koninklijk Concertgebouworkest en kenner van de Catalaanse liederen, de jazz en elektronische muziek. Het orkest bijt zich vast in de tango’s, walsen en milongas (snelle tango’s) met bandoneon, piano, viool en contrabas. Op het podium wordt slechts gezongen door drie personages. Ten eerste is daar Maria, die zingt op populaire toon in de goede zin van het woord. Zij wordt vertolkt door Alicia Alfonso, een schone uit het Uruguyaanse theatergezelschap El Galpon. Andrès Pazos, eveneens van El Galpon, zingt de rol van El Gorrién (de Mus, Maria’s eerste liefde). De Nederlandse bas/bariton Armand Pol tenslotte, zingt de rol van de ‘Payador’, de verteller”.

 

TROUW, Stijntje Blankendaal – 27 december 1999

 

 

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Stadhuis Den Haag tijdelijk theater

 

“…Deze tango-opera , componist Piazzolla spreekt van operita en dit is geen folklore, wordt niet gespeeld in een theater, maar in het Atrium van het Haagse stadhuis, ontworpen door de Amerikaan Richard Meier. Niet zonder reden is gekozen voor deze bijzondere architectonische locatie, want het muziekstuk wordt geproduceerd door Taller Amsterdam, de groep die raakvlakken verkent tussen beeldende kunst en architectuur. Wanneer muziek als smeermiddel kan dienen, zoals in dit geval, is dat fijn meegenomen. Maar nu komt de muziek van Piazzolla wel op de eerste plaats. Het verhaal naar een legende van de Uruguayaanse dichter Horacio Ferrer siert de millennium-drempel…”.

 

“…Aan deze bijzondere productie werken tachtig, voor het merendeel Nederlandse artiesten mee: zangers, acteurs, dansers (choreografie Bianca van Dillen), koren en figuranten, alsmede een orkest van twaalf man o.l.v. de Catalaan Josep Vicente. Het concept en de regie zijn van Armando Bergallo en Hector Vilche (Taller), die daarvoor ook de belangrijke Zuid- Amerikaanse theatergroep El Gapon, met name Carlos Moretti, in de arm hebben genomen…”.

 

“...De 36-jarige actrice Alicia Alfonso uit Uruguay is Maria. Ze is uitverkoren omdat zij kan toneelspelen, prachtig zingt en op de tango-vloer niet onderuit gaat. Zij heeft alles in huis wat Piazzolla’s Maria moet hebben. Alicia wordt terzijde gestaan door Carlos Moretti en Armando Bergallo die de twee Duendes vertolken. Andres Pazos speelt en zingt de rol van El Gorrién (de mus), de bas Armand Pol de ‘Payador’ …”.

 

DE TELEGRAAF, M.R. Ziegler – 30 december 1999

 

 

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“…Voor de uitvoering van de dans van Bianca van Dillen zijn coryfeeën gestrikt als Anne Affourtit en (oud-danseres, nu recensente) Ine Rietstap. Intrigerend zijn de bezweringsrituelen die Hans Snoek, de inmiddels hoogbejaarde, maar nog altijd kwieke oprichtster van Scapino Ballet, maakt boven het hoofd van de levenloze Maria…”.

“…Zeer sprekend is het gezicht van acteur/zanger Armand Pol, die de rol van de Payador zingt. Het Haagse publiek ontvangt de Europese première van de opera die in 1968 haar wereldpremière beleefde in Buenos Aires, met een ovationeel applaus…”

 

HAAGSE COURANT, Maja Landeweer – 30 december 1999

 

 

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  SATYRICON

 

1989

 

 

Bruno Maderna’s opera 'Satyricon' blijkt niets van zijn actualiteit verloren te hebben.


De louterende werking van een gezamenlijk bad.


“... De zangers, die allerlei misvormde citaten uit bekende opera’s als ‘Orfeo’ van Gluck, ‘La Bohème’, ‘Carmen’, ‘Götterdämmerung’ en ‘Aida’ laten horen, persifleren in feite hun eigen narcistische cultuur. Zij deden dat voortreffelijk. De uitdagende Fortunata (Annett Andriesen), de schijnbaar dementerende yuppie avant-la-lettre Trimalchio (Rudi de Vries) en de dubbelrol van Maarten Koningsberger als Boswell en Niceros maakten de produktie tot een auditief spektakel, dat paste bij de weelderige regie…".

 

NRC HANDELSBLAD, Paul Luttikhuis - 28 oktober 1989

 

    

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El ‘Satiricon’, presentado en Amsterdam como un “espectáculo total”.

 

El montaje refleja una “visión dramática y ordenada de la euforia de la democracia”.

 

“…El montaje combina otras dos obras cortas de Maderna ‘Giardino religioso’ y ‘Venetian journal’, bajo la batuta de Lucas Vis, director de orquesta holandés y responsable musical del Taller: De este modo, el conjunto de convierte en una opera en dos actos que a través de la metáfora del narcisismo proyecta una critica contre la decadencia de la sociedad ya planteada por Petronio. Y reflejada ahora por la soledad e incomunicación de la lucha por el poder y el éxito, convertida en la única forma posible de felicidad.

Todo ello a través de un libreto que se sirve de la opera, un monstruo sagrado y acrítico según el Taller, como lugar de cruce de todas las formes de expresión. ‘Introducimos signos familiares con maquinas de ejercicios gimnásticos o maquillajes y vestuarios de una estrella de cine americano, para que el espectador perciba la frustración y angustia de nuestra sociedad’, afirma Bergallo…”

 

EL PAIS – Isabel Ferrer, 19 de noviembre 1989

 

 

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Satyricon: de absolute orgie van vondsten

 

“…’Satyricon’ is een operaspektakel. En een spektakel is het. Vooral het toneelbeeld, gerealiseerd door decorontwerper Santiago del Corral en de regisseurs Armando Bergallo en Hector Vilche, doet je van de ene verbazing in de andere vallen. Zijn voor de pauze de drie scènes ‘Proloog’, ‘Giardini Reglisioso’ en ‘Venetian Journal’ al een lust voor het oog, het hoogtepunt – een absolutie orgie van vondsten, fantastische toestellen, banale en poëtische plaatjes – is het titelstuk ‘Satyricon’ waarmee de opera besloten wordt …”.

 

“… Een schot in de roos deze produktie, en ik sta al te trappelen van ongeduld om een volgende te zien…”.

 

Jan Misdom, 27 october 1989

 

 

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Een prikkelende Satyricon

 

“… Het grootste en fascinerendste deel vormt Satyricon. In een decor van fitnessmachines annex marteltuigen etaleert Taller de leegheid die een teveel aan zelfbewondering met zich meebrengt. Er wordt veelal in monologen gezongen, de personages zijn types zonder enig karakter en er heerst een sfeer van verlopen decadentie…”.

 

“… Zo maakte Taller een prikkelende voorstelling: zij zindert van erotiek en laat een bijna ongrijpbare en suggestieve droomwereld zien”.

 

ALGEMEEN DAGBLAD – Oswin Schneeweisz, 28 october 1989

 

 

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Verstikt in het narcisme

 

Een spektakel fantasma

 

“…Een aanrader en zeker een ommetje waard…”

 

“…Veeleer leggen ze de nadruk op het westerse individu dat verstikt in zijn eigen narcisme en dit niet eens beseft…”

 

“..Het Noord-Nederlands Orkest, een nog jonge formatie, zorgt voor een boeiende verklanking en Maarten Koningsberger overtuigt zowel muzikaal als teatraal als de zwierige fantast die lege dromen produceert…”.

 

“…De verloedering die Maderna beschrijft, wordt bij Taller Amsterdam omgewerkt tot een metafoor van het narcisme, waartegen geen maatschappijkritiek bestand is: je kan er enkel nog om lachen, met een wrange nasmaak weliswaar…”.

 

“…Taller Amsterdam zoekt dan ook niet te brutaliseren, maar zorgt voor een bijwijlen scherpe satire: ‘Money is the best tool’ en ‘Vivons au mieux, tant que vivre nous est permis’ klinkt het bijtend in de proloog…”

 

“…De zes zangers, die elk een of meerdere monologen zingen – een narcist kommuniceert alleen met zichzelf -, doen dit vol overtuiging en meestal erg nauwkeurig. Een prestatie die er mag zijn…”

 

DE MORGEN – Hendrik Stubbe, 3 november 1989

 

 

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  PORTRAIT

 

 

 

“…When I look at the paintings of Armando Bergallo it is clear to me that here speaks the South American temperament, what I called before: leaning to the baroque. In the beginning he made realistic paintings with a strong emotional content. Later on in the first few years of the eighties, he gradually changed his style to a more abstract way of painting. His style became more and more expressive, using mixed techniques. In the second half of the eighties, he returned to a more outspoken abstract-expressionistic 

These paintings show hectic brushwork and strong colours, and the use of papier-mâché and other materials to create a relief like effect. His last work shows a development towards more subdued colours and a spatial three-dimension effect…”.

 

Koos de Jong, Director Department

Collections of the Netherlands Office for Fine Arts - 1991

 

 

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  TALLER 25 ANS

 

 


 

 

  Publication


Taller Amsterdam


1963 - 1988


Dedicated to Willy Hofman

 

 

 

 

 

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Voyage à l'intérieur du Taller

Françoise Séloron

Ecrivaine Journaliste - 1988

 

 

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WILLY HOFMAN, Directeur du Département municipal  des Bâtiments Culturels à Rotterdam, Membre du Conseil des Arts des Pays Bas avec FRANZ MARIJNEN, Metteur en scène, Membre de la Commission d'honneur des Amis du Taller Amsterdam.

 

 

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"Bon anniversaire au Taller pour ses 25 ans d'aventure artistique! Plasticiens en rupture d’ateliers, ils quittent l’Amérique du Sud pour s’installer finalement au Nord de l’Europe et inventer une nouvelle manière de vivre et de produire des images dans un espace, à la croisée des arts et du spectacle. De Montevideo à Amsterdam, de Mondrian à l’Opéra contemporain. A la ville comme à la scène, ils fonctionnent au désir. Ils conjuguent création collective et individuelle, mythes et concepts et tentent d’ajuster leur identité d’artistes au réel et à l’imaginaire des temps qui changent. Ils font l’expérience périlleuse d’une autre façon d’entrer en communication, hors des chemins balisés des normes esthétiques et sociales. Ils pratiquent à leur manière et depuis bien longtemps le dialogue Nord-Sud, le décloisonnement artistique et le brassage des cultures. Ils participent ainsi, à leur insu peut-être, à l’élaboration de la nouvelle identité culturelle de l’Europe".

 

Jack Lang, Ministre de la Culture et de la Communication - 1988

 

 

 

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ED VAN THIJN, Mayor of Amsterdam - 1988

 

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"While there are quite a few differences between the president of the United States and the mayor of Amsterdam, they do have one thing in common each has a backyard which in some way is related to Latin America. There is, however, one noteworthy difference between them. In contrast to the strained relations between the United States and Latin America, the relations maintained in my backyard, which directly borders of the Latin American artist’ collective, Taller Amsterdam, are peaceful if not excellent. Taller is a household name in Amsterdam, and as their neighbour I took this for granted until an extensive trip took me to latin America where I saw the word ‘taller’ (‘workshop’)

The group Taller enjoys great success. Several newspaper headlines illustrate this: Trouw September 7, 1987, ‘…Taller presents magnificent music and images’, Libération November 24, 1985, ‘Taller Amsterdam strikes once again’. There are dozens of articles in Dutch, German, English, French, Italian and Spanish in the same tone and of the same opinion. In the course of the past years, hundreds of people participated in all of group’s artistic activities. Hector Vilche and Armando Bergallo are the pivotal artists of Taller Amsterdam; they are the great movers, the brains and the innovators.

Taller Amsterdam occupies a unique position in Dutch art. Their work integrates many art forms: music, the theatre, the visual arts and in recent years the opera.

The members of the Advisory Committee of the Friends of Taller, among whom, Katinka Dittrich, Franz Marijnen, Jack Lang and myself, are convinced that the group produces innovative art".

 

Ed van Thijn, Mayor of Amsterdam, 1988

 

 

 

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  REPORTAGE

 

 

 

No truth without laughter

 

The cheerful science of Taller Amsterdam

 

 “…The joy one finds outside the system is starkly contrasting to the metaphorical fear, the guilt and the discomfort one so often finds inside it. Armando Bergallo and Hector Vilche do not resist the incomprehensibility and chaotic character of reality. Neither do they pine nostalgically for the time when they still had the security of Marxism. That would only be a sign of the incapability to accept the world as it is. That the world is incomprehensible and without meaning, or that it keeps its meaning permanently hidden to us, shouldn’t worry us or fill us with a longing for better times. We only need to become strong enough to live a life without absolute certainties.
Perhaps I should therefore tear up this article with a smile. Taller’s work is incomprehensible and elusive. At random it gives out signals that undermine each essentialism, each sense of continuity. One has to let oneself be dragged along by the shocking rhythm with which they create new patterns of signals and one has to be prepared to regard each interpretation as temporary, the subdivision into paragraphs and alineas, the guarding of the logic which makes one sentence flow from the other, is ridiculous. It is a form of self-protection that keeps us from being open to the impossibility to synchronize this work with the image we have of it.
Finally I would like to quote ‘The Name of the Rose’ by Umberto Eco.
‘Perhaps he who loves people is obliged to make them laugh at the truth, to make the truth laugh, for the only truth consists of learning how to liberate oneself of the unhealthy passion for the truth’.”

 

Ivo Kuyl, Dramaturge - 1988

 

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  EXPOSITION

 

 


Expositie Museum ‘De Beyerd’, Breda.


“… Vooral Bergallo uit zich in een explosie van kleuren, in dikke verfmassa’s aangebracht op bijvoorbeeld kamerschermachtige sculpturen van theatrale omvang of op onder het gewicht van de veref bijna bezwijkende gordijnen die hele museummuren bedekken. Het werk is van een heftige vitaliteit en grote uitbundigheid. Voorst vergreep Bergallo zich aan Rembrandts Anatomische Les. Hij vervaardigde de voorstelling opnieuw, maar dan in een wilde wirwar van kleuren en vormen die van de toch enigszins lugubere gebeurtenis in de zeventiende-eeuwse snijkamer een carnavalesk feest maken. Het doek heeft rechtstreeks te maken met de komende opera, waarin sprake is van een laatste oordeel in de vorm van een tableau vivant dat op Rembrandts schilderij is geïnspireerd. Naast dit alles laat Bergallo een serie prachtige collages zien van hout, doek en alweer, massa’s verf die tot samenbindende kleurslierten zijn geboetseerd….”

 

NRC HANDELSBLAD – Bas Roodnat, 9 februari 1987

 

 

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  REPORTAGE



 

 

"...De même, une composition d’Armando Bergallo, en 1966, assemble des objets collés sous un écran de fils tendus. Et, en 1979, de hautes boites percées de fenêtres à volets laissant entr’apercevoir de fabuleux mannequins. Espace ramassé, condensé; espace promis, interdit; domaine réservé, fascinant: lieu de l’art. Par les voies de la sculpture, ou des «installations», ou du théâtre, le Taller est hanté par la splendeur du lieu. Ces errants ont le désir de l’ancrage, et d’abord de ce lieu par excellence, le plus intense, le plus frappé de lumière: la scène..."


"...Imbrication de l’art et de la vie ordinaire. Cette formule galvaudé si souvent revendiquée pour n’aboutir qu’à des applications dérisoires, retrouve ici son plein sens. Les mannequins d’Armando Bergallo ruissellent de peinture: c’est la peinture faite corps. Ses grandes toiles suspendues, avec leur débauche de couleurs, sont faites pour envelopper. Les œuvres du Taller ne se tiennent pas à distance de contemplation. Elles sont environnement. Elles forment le lieu sculpté dont nous sommes soudain partie intégrante. Mieux qu’u «tableau vivant» (qui est encore de l’ordre du spectacle, c’est-à-dire de la distance), le Taller est une vivante sculpture où quiconque, pénétrant, se sent accéder à un nouveau régime du temps: à la densité des moments...".

 

Jean Galard, Directeur du Service Culturel du Musée du Louvre, 1986

 

 

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  PORTRAIT

 

 

 

A propos de l’œuvre

d’Armando Bergallo

 

Si Bergallo figure si souvent lui-même dans ses œuvres c’est qu’il est convaincu que le MOI est la principale référence dans l’expérience de notre Umwelt.

 

La pression écrasante de tout ce qui se passe autour de nous avec cruauté, éblouissement, par moments - plus rares - avec grâce mène nécessairement à des effets d'implosion.

 

Le dépassement du point de non-retour fait partie de notre condition. Nous avons beau aspirer au calme : le mélodrame que nous vivons est la vraie vie.

 

Ce fils d'Européens, né dans la turbulence sud-américaine reste fasciné par sa participation totale à notre environnement dérangeant. Pour Bergallo il n'y a que l’indifférent qui est perdu pour  de   bon   et   qui  est,  par  là, plus haïssable que quiconque : l'indifférence est la vraie destruction, bien pire que les effets de la violence.

 

L'artiste dispose, par définition, mieux du privilège de pouvoir organiser son drame.

Mais ce privilège existe en principe pour chaque être vivant, pourvu qu'il ait le courage de ne pas s'esquiver devant la tension entre les choses, de s’informer afin d’être conscient de l’énergie qui lui est impartie d’office, malgré sa faiblesse face au monde extérieur. Cette violence du dehors qui est à l’origine des implosions risque de nous écraser. A l'extérieur de nous-même il y a le monde entier qui fait bloc. Quel que soit notre langage, c’est lui qui nous sert de véhicule pour en témoigner et nous en sortir. Tout drame individuel auquel on se trouve confronté mérite d’être examiné à fond pour qu’il soit sublimé en compréhension, en  « understanding ». Apprenons à vivre avec ce risque de mort omniprésent jusqu’aux limites de cette réalité si fragile.

 

Est-il étonnant que ces idées aboutissent à une explosion de couleurs, à un dripping qui est en quelque sorte symbolique pour ces drames ?  Ne nous trompons pas : la violence de ses couleurs n’a rien en commun avec le cynisme de celui qui a abandonné toute subtilité d’expression comme si ce n’était plus la peine, et qui laisserait couler faute d‘espoir de pouvoir réagir. Chez Bergallo il y a, au contraire, cette renaissance, la  Renaissance essentielle à toute son œuvre. Caravaggio, Leonardo : ces maîtres non seulement artistiques ou techniques, mais représentant la compréhension de la complexité de ce monde des hommes bagarreurs, gaffeurs, tueurs. Leur exemple est pour Bergallo non point religieux, mais philosophique : c’est leur façon de faire face au drame – ou au mélodrame – qui le passionne 

 

Le manque d'ambition des hommes de notre temps, de tous les temps, devant l’approche des catastrophes est notre plus grande menace. Ainsi le non prévu arrive quand même et, n'ayant pas appris à vivre sous cette tension qui paraît insupportable, nous  sommes dupes a part entière.

 

Déjà confronté avec certains évènements de l’Amérique du Sud dès son bas âge, Bergallo a connu un nouveau choc lors d'une visite récente à Berlin : le drame entre encore dans le domaine des réalités du monde qui nous entoure. Il veut savoir : est-ce que ces gens out vraiment appris à vivre avec la possibilité de la violence, de la  mort ? Cet univers qui semblait si bien organisé est donc d’une fragilité excessive. Et c’est maintenant que ses couleurs commencent à pleurer sur des surfaces de toutes sortes, toujours plus immenses. L'enchevêtrement des traits devient inextricable, trop pour l'esprit d'un individu.. Mais non, voila que réapparaît l'effigie du moi Bergallo à travers  les  mouvements brutaux  et  imprévisibles du quasi non représentable, de l’inimaginablement dur.

 

Point de narcissisme chez lui, seulement "autobiographia". C'est bien lui qui assiste à tout cela et qui, par là, aspire à l’état d’intouchable. Le mystère magnifique de vivre encore  malgré  toute cette  destruction autour  de  lui.  Ainsi  il prouve  que l’autodestruction n’est nullement son choix  à lui. Salomé et Don Juan ne sont pas des victimes. "II y a de l’espoir" nous dit son visage, resté serein, projeté de multiples fois sur une autre face, à grande échelle et plus impassible, portrait à la Leonardo, exprimant le calme auquel il aspire, et qui doit exister quelque part pour montrer la voie vers la liberté totale de s'exprimer, de refléter le vécu, la vie, affirmation qui mènera à d'autres moments de négation. Mais l'homme, même déchiqueté, garde quelque chose d'humain ; c'est sa condition.

 

Les grandes portes cochères peintes en multiples cases à la façon des cathédrales nous racontent les péripéties de la vie de l’artiste, du monde des membres du groupe Taller et chaque fois ce visage étonné et curieux de Bergallo qui est présent, et qui observe, toujours prêt à se lancer dans la foule des événements. La vie de Bergallo, son personnage se transforment, par sa philosophie, en mode de vie, seule possibilité sans autre prétention pourtant que de vouloir participer et de rester humain dans ce bordel, émanant la bonté, hâvre sür pour l’âme qui cherche.

 

Ainsi l’apport de Bergallo est indéniable aussi dans les productions du groupe Taller, atelier comme on a dû en  trouver à l’époque de la Renaissance, imprégné de cette conception de la vie et rejetant le pessimisme malgré les balafres que l’on encourt quand on a le courage de ne pas rester indifférent devant les effets de ce mélange de monstres et d’anges appelés à cohabiter dans notre monde.

 

Peinture totalement libre où l’on peut aller jusqu’à en mettre sur les vêtements, sur les ustensiles de tous les jours: religion en soi. Mais quelle maîtrise pour évoquer les sommets, phares de notre civilisation, repères et clins d’œil dans la direction du désespéré. Vous pouvez vous trouver la tète en bas dans les événements les plus abjects, n’oubliez pas que c’est bien vous, que vous êtes en vie, au beau milieu de ce tourbillon tant que vous avez des yeux pour regarder, pour interroger.

 

Bergallo peint, peint sans limites, ni dans l’espace, ni dans le temps. Il agit selon ce qu’il sent, éprouve, selon sa participation à tout cela et pense ensuite. “Ce n’est jamais l’inverse, dit-il, sinon CELA ne se passerait pas.” Pourtant il pense beaucoup et le spectateur doit avouer que le subconscient de ce peintre ne manque pas d’exploiter pleinement ces réflexions d’après coup et que cela enrichit ce qu’il crée ensuite, toujours à la recherché d’une totalité insoupçonnée de cette existence.

 

Jaap van Praag, Directeur de l’Institut néerlandais, Paris - 1985

 

 

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  REPORTAGE

 

 

Partenaires :

mensuel par l’Association Technique pour l’Action Culturelle, en collaboration avec le Carrefour des régions du Centre Georges Pompidou.

 

   

Voyage à l’intérieur

du Taller Amsterdam.

 

“…J’ai découvert le Taller dans leur dernière production : ‘Le Désert’, cet automne, à la Maison de la Culture de Bobigny. L’émotion passée, j’ai voulu en savoir plus. Je suis allée les voir vivre et travailler dans la grande maison qu’ils ont aménagée sur Keizersgracht, au cœur des canaux concentriques d’Amsterdam. Un voyage qui m’a entrainée bien au-delà de leur point d’ancrage, un retour aux sources de ces drôles de plasticiens philosophes en mal de communication, et qui sont devenus, au fil des ans, acteurs et réalisateurs d’événements, d’interventions et performances diverses jusqu’à ce spectacle d’art total qui ne ressemble à nul autre. Un voyage à la lisière de plusieurs modes d’expression, de plusieurs modes d’emploi, de plusieurs modes de vie. Un vrai voyage quoi.

Car, voyager à l’intérieur du Taller c’est être à la fois au carrefour des cultures du monde et des disciplines artistiques…".

 

La grande transparence

“…’Une question n’avait toujours pas été résolue ; on continuait à parler de problèmes généraux, du pouvoir, de la société panoptique, des mass-médias, on ne parlait jamais des individus, de nous-mêmes, nos passions, nos souffrances, nos rêves. Un nouvel objectif donc est à atteindre : nous démasquer ; et une nouvelle étape à franchir : la mise à nu de nous-mêmes.’…".

 

“…Ainsi va le Taller… Dans un monde figé, ils ont toujours fonctionné ailleurs, autrement, en bougeant, en confrontant, en remettant en question. A passer d’un mode d’expression à un autre, d’un espace à un autre, d’un pays à un autre, d’une culture à une autre, le Taller crée des frottements générateurs d’énergie et d’idées nouvelles.

Et pour eux, quelle sera la prochaine étape ? Après la découverte et l’intégration de la musique et de la voix, ils vont peut-être s’attaquer à la dramaturgie. Ce qui pose le problème de l’écriture, problème redoutable ; car avec les images et la musique, on peut être compris de partout et venir d’autre part. Avec l’écriture, il faut en principe choisir une langue, donc se fixer, même provisoirement, et se dire « d’ici ». A moins qu’ils n’inventent, là aussi, d’autres solutions inédites. A suivre donc.

En tous cas, ils nous donnent une drôle de leçon, ces plasticiens venus d’ailleurs cogner à la vitre, ouvrit la fenêtre et nous crier que cet espace où se jouent des formes, des corps, des lumières, des sons, des objets, des voix, des simulacres de vie, ce lieu géométrique indéfinissable que d’autres osent appeler théâtre, est le dernier terrain d’aventure humain.

Qu’’on se le dise !…".

 

PARTENAIRES – Françoise Séloron,

Ecrivain, Journaliste, Productrice à France Culture, mars 1983

 

 

 

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  EXPOSITIONS

 

 

Uit Brochure Expositie

Galerie Krikhaar, Amsterdam.

 

Bergallo “beeldhouwer”
Armando Bergallo is geen beeldhouwer in de strikte zin van het woord. Hij snijdt zijn figuren uit. Beeldsnijder, dat is een oude, eerzame aanduiding van wat hij is. Als materiaal gebruikt hij bij voorkeur gekleurd perspex. Daaruit maakt hij sierlijke figuren met soms vloeiende, soms kantige of spitse contouren, die hij vervolgens achter elkaar opstelt, in evenwijdige vlakken en in een transparante doos plaatst. Het effect is wonderbaarlijk doordat de verschillende kleuren op elkaar inwerken wanneer men door de figuren heenkijkt. Een onberekenbaar spel met kleur en licht dat de toeschouwer niet loslaat. Het bijzondere van Armando’s sculpturen is dat zij de chemische producten perspex en polyester, gewoonlijk verguisd als levenloos materiaal uit het technisch tijdperk en als symbolen der vervlakking, tot de rang van edele grond- stof voor scheppers verheffen.
Ook als beeldsnijder heeft Armando Bergallo zijn vertrouwde omgang met de oude meesters. Hij werd geboeid door het werk van Bernini, de kunstenaar uit het Rome ten tijde van Paus Urbanus VIII, beeldhouwer, architect en schilder, die het leven even sierlijk opvatte als zijn kunst. Het is tekenend voor Armando dat hij uit Bernini’s werken juist diens Apollo en Daphne koos, de nimf die door de goden in een boom werd veranderd op het moment dat de haar achtervolgende Apollo met zijn begerige handen aan haar lijf raakte. Het is een door Ovidius in dichtvorm verhaalde gedaanteverwisseling: de natuur als de getransformeerde god of mens. Welnu, welk verhaal zou beter passen bij de in alles en overal op het leven beluste kunstenaar Bergallo?

 

Bergallo schilder
Armando Bergallo schildert op een spontane manier en daarin is hij geheel een kind van zijn eeuw. De oude meesters uit de Italiaanse Renaissance hadden ook hun vorm van spontaniteit, maar zo spelen met de verf als Bergallo doet was in die dagen niet voorstelbaar. Armando denkt er niet over om het herkenbare thema los te laten. Voor hem is het thema een deel van het schilderen. Dat hij dit thema bij de oude meesters zoekt is meer dan slechts het artistieke uitgangspunt. Het is alsof hij hen over de eeuwen heen waarderend toespreekt en door zijn interpretaties van hun werk wil opwekken uit de museale slaap. Hij voert hen terug in zijn schildersatelier om ze weer eens verf te laten ruiken. Armando gaat vertrouwelijk om met Leonardo da Vinci en Caravaggio en speelt met hun modellen.
Misschien is de toeschouwer enigszins verbaasd als hij Bacchus of de schone Ginevra de Benci met verdubbeld gelaat ziet, maar het doubleren en tripleren van lijnen en kleuren is een beeldend element in Armando’s werk. Het lijkt op het eerste gezicht bizar, maar de toeschouwer merkt al gauw dat het niet ontluisterend is. Integendeel, er schijnt een nieuw leven geblazen te zijn in het oude beeld van de Renaissance door het elan en het kleurgevoel van onze tijd. Bij nader toezien, geniet men van een verfijnd lijnenspel dat ontstaat door de wonderbare vermenigvuldiging van ogen, neuzen, monden, handen, hoofd enz.
Het is -althans zo ervaar ik het een stereoscopische analyse. Als men naar een object kijkt en beurtelings een van beide ogen afdekt, dan ziet men het object verspringen. Zo moet, denk ik, Armando Bergallo naar zijn modellen hebben gekeken.
Armando gebruikt doorgaans kleuren die wij in de dagelijkse omgeving vrolijk plegen te noemen. Maar in zijn interpretatie van Caravaggio’s “Hoofd van Medusa” laat hij het tegendeel zien. Door een lichte accentverschuiving krijgen diezelfde kleuren een demonische kracht. Doods blauwgrijs in contrast met bloedrood. Armando Bergallo kan veel met kleur.

 

Emile Meijer,

Kunsthistoricus, Auteur, Oprichter en Directeur Van Gogh Museum.

Historien d'art, Auteur, Fondateur et Directeur Musée Van Gogh, Amsterdam - 1980

 

 

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Inleiding Catalogus

Galerie Nouvelle Image Den Haag 1966

 

Eerste expositie Taller de Montevideo in Europa

 

“Een groep van vier kunstenaars uit Uruguay is plotseling in noordelijk Nederland neergestreken: Bergallo, Bollar, Vila en Vilche.
Zij hebben de zon van hun land, de verbeeldingskracht en spontaniteit van hun Latijnse geest in hun hart meegebracht.
In het kleine Friese dorpje Piaam bij Makkum hebben zij gewerkt in hun vrolijke kleuren en met hun lichte materialen. zelfs de kleine rood en blauw gekleurde veertjes spelen mee in het vrolijke rythme van hun werk.
Uit hun werk spreekt geen enkele behoefte aan theorieën: het plezier in spontane schepping zonder pretentie geeft het werk zijn eigen charme”.

 

Edy de Wilde, Direkteur Stedelijk Museum Amsterdam, 1966.

 

 

Introduction

 

Catalogue Galery Nouvelle Image The Hague 1966.

 

First exposition Taller de Montevideo in Europe

 

“A group of four artists from Uruguay: Bergallo, Bollar, Vila and Vilche appeared suddenly under the grey sky of the northern part of the Netherlands.
They brought with them the sun of their country, the imagination and the spontaneity of their Latin spirit.
In the small Frisian village Piaam, far away from any centers of culture, they composed their bright colored works, made of light materials.
Even the small fluffy feathers, colored in blue and red, play a role in the gay rhythm of their assemblages. In their work there is no urge to preach any theories: the pleasure of spontaneous creation, without pretention gives the charm to their work.

 

Edy de Wilde, Director Stedelijk Museum Amsterdam, 1966

 

 

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PROGRESS PASSION

 

1987

 

 

‘Ons muziektheater is als het werk van Brueghel of Bosch’.

 

“…Een brief van de Berliner Festspiele aan Taller: ‘Het hoofdthema voor Berlijn 1988 zal zijn: de Europese avant-garde op alle terreinen van de kunst. Natuurlijk ook op theatergebied. Berlijn zal theaterprojecten aantrekken die gebruik maken van verschillende soorten muziek en media, projecten die buiten de traditionele vormen van drama, opera en muziek vallen. Taller Amsterdam is al jarenlang een van de interessantste theatergroepen in Europa, op een zeer professionele en respect afdwingende wijze grensverleggend. Na “The Desert”, “The Night of the Third Day” en vele andere projecten, verwachten we dat “Progress Passion” zeker zo veel succes zal hebben…".

 

“…De zo gematigde, kaal- en gladgeschoren Armando Bergallo is in zijn werk daarentegen nogal exuberant. Een primair, helder en overvloedig kleurgebruik dat geen genoegen neemt met de afgebakende vormen van een schilderij of plastiek en daar regelmatig buiten treedt.

Als ze gezamenlijk aan een nieuw project werken kan een buitenstaander soms de indruk krijgen dat het om een heftige ruzie, in plaats van om een werkbespreking gaat. ‘Onze onderlinge tegenstellingen zijn in de loop der jaren steeds duidelijker geworden. Als we aan een theaterproject werken, brengen we de contrasten gezamenlijk in: optimisme en pessimisme, dag en nacht, het intuïtieve en rationele’…".

 

“…’De medewerking van Lucas Vis, het Nederlands Blazersensemble en het Nederlands kamerkoor heeft het panorama voor Taller sterk veranderd’, zeggen Vilche en Bergallo, ‘na alle erkenning in het buitenland helpen deze mensen ons om ook hier geïntegreerd te raken. “Progress Passion” komt in negen Nederlandse theaters, zelfs in het nieuwe Muziektheater in Amsterdam, waar Nederlandse produkties toch niet zo gemakkelijk binnenkomen’…".

 

“…Voor La Villette in Parijs willen de beide kunstenaars een ‘groot en vooral vrij spektakel’ maken. ‘Een enorme explosie, waarin we alle elementen willen gebruiken: opera, Music hall, beeldende kunst, theater. We zullen daar niet gebonden zijn aan een traditionele ruimte met een traditioneel toneel. Het is een enorm gebouw met reusachtige mogelijkheden. De directeur van La Villette, François Barré, kent ons werk. Hij zei: dit gebouw is geen theater, maak iets en gebruik het hele gebouw.’ De omstandigheid dat daar in La Villette door de jaren heen ontelbare liters bloed zijn gevloeid – er was een reusachtig abattoir – speelt een rol in hun gedachte over het concept. De analogie met de Franse Revolutie ligt voor de hand…".

 

VRIJ NEDERLAND – William Rothuizen, 24 januari 1987.

 

 

 

Translation: Sjoukje de Graaf.

 

 

‘Our Music theatre is like the work of Brueghel or Bosch’.

 

“…A letter from the Berliner Festspiele to Taller: ‘The central theme of Berlin 1988 will be: European avant-garde in all fields of art. Naturally, also in the field of theatre. Berlin will attract theatre projects that make use of music and media, projects that fall beyond the traditional forms of drama, opera or musical. For years Taller Amsterdam has been one of the most interesting theatre groups in Europe, mind-broadening in a very professional and respect commanding way. After “The Desert”, “The Night of the Third Day” and a lot of other projects, we expect “Progress Passion” to have the same amount of success…".

 

“…Work of the moderate, bald-headed and clean-shaven Armando Bergallo on the other hand is rather exuberant. His colours, which are primary, bright and abundant, are not satisfied with the demarcated forms. When they work together on a new project, an outsider may sometimes get the impression that they are having a fierce quarrel instead of a discussion. ‘The differences between us have become clearer through the years. When we work on a theatre project we put in the contrasts together: optimism and pessimism, day and night, intuition and reason’…".

 

“…’The cooperation of Lucas Vis, the Dutch Blazers Ensemble and the Dutch Chamber Choir strongly changed the prospect for Taller’, Vilche and Bergallo say. ‘After all the recognition we received abroad, these people help us to get integrated here as well. “progress Passion” will be performed in nine Dutch theatres, among which the new Music Theatre in Amsterdam, where Dutch productions do not easily get in’…".

 

“…For La Villette in Paris both artists want to make ‘a great and especially free spectacle’. ‘An enormous explosion, in which we want to use all elements: opera, music hall, visual arts, theatre. We will not be bound by a traditional stage. It is an enormous building with immense opportunities. The director of La Villette, François Barré, knows our work. He said: this building is not a theatre, make something and use the entire building. The fact that in La Villette countless litres of blood have flown there through the years – there was an immense abattoir – plays a part in their thoughts about the project. The analogy with the French Revolution goes without saying…".

 

VRIJ NEDERLAND – William Rothuizen, 24 January 1987

   

 

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Schitterende muziek en beelden bij Taller

‘Progress Passion’ is prikkelend mozaïek van drama, kunsthistorie en satire

 

“…Deze moderne versie van allegorisch drama is allereerst schitterend vormgegeven…”

 

“…Flarden Stravinsky, Berio, Orff, Berlioz en Copland klinken op in de sterk theatrale muziek, die vooral door Ilse van de Kasteelen, het Nederlands Kamerkoor en het Nederlands Blazersensemble onder leiding van Lucas Vis, met verve wordt uitgevoerd”.

 

TROUW, Frits Lagerwerff – 7 september 1987

 

 

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‘Progress Passion’ kleedt opera in andere jas

 

“…Het gaat Taller immers om het ‘totaal’ en dat nu is het resultaat: een spektakelstuk, een aaneengesloten schouwspel van mooie en esthetisch gave beelden, waarin het drama van een niet op te lossen moord ontvouwd wordt…”.

 

“…De glansrol in ‘Progress Passion’ echter wordt vertolkt door componiste en zangeres Ilse van de Kasteelen. Zij is in de Cassandra-achtige rol van Story Teller het meest sympathiek en invoelbaar. Met haar prachtige stem, haar groot gevoel voor acteren en haar Madonna witte haren is zij de absolute ster op het podium”.

 

UTRECHTS NIEUWSBLAD, Ellen Kempers – 14 october 1987

 

 

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Progress Passion is sterk muziektheater

 

“…Het resultaat is overrompelend en fascinerend. Een theatergebeurtenis die je moet ondergaan…”

 

“…De muziek klinkt prachtig, de decors zijn kunstwerken op zich…”

 

BRABANTS DAGBLAD – 28 september 1987

 

 

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  REPORTAGE

 

 

The ball is round.

 

“The ball is round. The adage is not new. On the contrarily, one might say it is a cliché. Coaches use it to indicate the outcome of a football game is always unpredictable.

This saying may well be a cliché; nonetheless it remains a unique statement. After all, in which other situation could one use a certainty: the ball is round, to express an uncertainty: the outcome?

The earth is round. By analogy with the above-mentioned statement this one symbolizes the instability of human nature and the precariousness of mankind’s existence. The uncertainty related to the outcome of the football game here attains cosmic proportions. Visual artists have always made cunning use of this idea in their creations. The Rijksmuseum in Amsterdam owns two paintings by a seventeenth century master from Utrecht, Hendrick Terbrugghen, representing the two philosophers Heraclitus and Democritus. The first is depicted shedding tears of grief while leaning on a terrestrial globe, the second laughs while resting his elbow on a celestial globe. Armando Bergallo and Hector Vilche could well have been Terbrugghen’s models. Not by physical resemblance but due to the distress and joy they alternately express in their creations. With an unbridled creative urge these two artists produce both chaos and order. Their orientation tends towards universality. They make universal theatre.

The ball is round. The same goes for the theatre. The name of Shakespeare’s famous theatre in London illustrates this: ‘The Globe’.

The world is round and the ‘boards’ are flat. Could it be possible that the reality occurs on stage whereas the audience is just an illusion?

Those attending Taller’s performances might ask themselves this question. Captivated by the dazzling and exalting discipline of the Tallerian chaos the spectator will have the sensation that this seat is empty. Dance, text, mime, music, lights, colours, respite, action, space, time, contents and emptiness, join in this dramatic show, mesmerize the spectator and take him outside of himself.

But the actual relief, the catharsis comes later, as one realizes that that the impression made by the performance is unforgettable. At that point Taller sets its indelible stamp on your memory.

The ball and the theatre are and, indeed, will always remain round.

 

 

Emile Meijer,

Kunsthistoricus, Auteur, Oprichter en Directeur Van Gogh Museum.

Historien d'art, Auteur, Fondateur et Directeur Musée Van Gogh, Amsterdam - 1987

 

 

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  EXPOSITIONS

 

 

 

La vida desgarrada en trazos

 

Exposición d’Armando Bergallo en Sala de Muestras Plásticas de EL COLOMBIANO, Bogota.

Presentada por María Victoria Ortiz

 

“…‘Punto coral”, “Dúo de amor y violencia”.., títulos de obras de a que se compaginan con trasfondos lúdicos de una sociedad cuyo problema está encarnado en el hombre mismo. Arte con ritmo en sus trazos, con protesta de color, con “desgarraciones” humanas que presentan un mundo convulsionado esgrimido sobre unas telas fluctuantes en un espacio…”

 

“…Pero regresando al campo pictórico, encontramos en Bergallo esa angustia existencial que le lleva a cuestionarse hasta que punto es valedero su trabajo. Nos hizo saber que la muerte, único destino preciso en el hombre, aunque con fecha abierto, es su preocupación del momento. Sabe que está a mitad del camino y se pregunta hasta qué punto vale el esfuerzo... Y, ¡sí que lo vale!...”

 

EL COLOMBIANO, Ofelia Luz De Villa

 

Medellín 25 de Julio, 1986

  

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La vie des artistes

 

“… Transgresseur de frontières, partisans de l’Art Total, l’espace scénique est leur terrain d’éléction. La scène, symbole de séparation mais aussi de pénétration isolée ou envahissante à la mesure de ceux qui l’habitent, délimitée par un fil invisible que parfois, sous la force des émotions données et reçues, se désagrège. Et les émotions, les chocs même sont multiples…".

 

“…Les deux complices s’occupent de la conception et de la mise en scène et créent des objets d’art qui ne sont pas un décor mais l’incarnation énigmatique et provocante d’un état d’âme, d’une volonté de débordement. C’est pourquoi leurs œuvres au-delà des représentations oùelles s’insèrent, continuent à opérer, porteuses d’une vérité singulière. Les sculptures, tableaux ou rideaux peints d’Armando Bergallo sont éclaboussés de couleurs vives, toujours prêtes à sortir de leurs volumes, comme provisoirement stoppés dans leur histoire…".

 

L'OEIL – Lerner de Vecchi, novembre 1985

 

 

 

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  LA NUIT DU TROISIEME JOUR

 

1984

 

 

Taller weer overrompelend.

 

“The Night of the Third Day is weer kolossaal, adembenemend, betoverend en schokkend op een wijze die enkel Taller voor elkaar weet te krijgen”.

“Hoewel het zo langzamerhand een zeer gemêleerd Europees en Zuidamerikaans gezelschap is, blijft de sfeer die van de romans van Marquez e.a. auteurs uit dat continent: een collage van woeste sprookjes, neergezet in overrompelende decors, groot perfect afgewerkt en waanzinnig als een surrealistische verbeelding”.

“Taller heeft het mooiste muziektheater van dit seizoen gemaakt”.

 

DE TELEGRAAF - Wim Gijsen, 23 mei 1984

     

     

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The Night of the Third Day ‘n succes.

 

Taller luchtig, spannend in actie met de erotiek.

 

“Een aantal mannen, inmiddels in vrouwenkleren gestoken, speelt een vrijscène, begeleid door zang en prachtige tangomuziek.

Het tweeslachtige karakter van Don Juan komt mooi tot uitdrukking in een dansscène waarin hij met een man en een vrouw een elegante “pas de trois” uitvoert. Erotiek is in de opvatting van Taller duidelijk niet alleen op de andere sexe gericht en niet rolbepaald. De mannen gedragen zich als ze in vrouwenkleren zijn gehuld soms als vrouwen, en het omgekeerde geldt voor de vrouwen”.

“De teksten van de scènes waarin Mephisto Don Juan binnenvoert zijn zeer divers samengesteld. Naast eigen materiaal van Armando Bergallo en Silvio Montoya is gebruik gemaakt van onder meer Plato, Albee, Goethe, Victor Hugo, en Shakespeare. Er worden prachtige liederen gezongen door professionele zangers in verschillende talen, de gesproken tekst in voornamelijk Engels. De muziek is door leden van de groep gecomponeerd en wordt gedeeltelijk live uitgevoerd. Daarnaast, werkelijk elke discipline komt aan bod, zijn er fantastische decors die voor enkele zeer indrukwekkende momenten zorgen”.

 

HET VRIJE VOLK - Tineke Straatman, 23 mei 1984

 

 

 

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L’avant-garde au Sigma de Bordeaux.

 

"Le septième art n’est qu’une des nombreuses composantes de Sigma 21 qui accueille quatre ou cinq spectacles d’avant-garde par jour, en divers lieux dont bien sûr l’Entrepôt-Lainé. Parmi ceux-ci le collectif Taller d’Amsterdam, avec La Nuit du Troisième Jour, qui par l’importance des moyens scéniques utilisés, constituera la plus grande mise en scène d’espace présentée à Sigma depuis sa création”.

 

LE FIGARO – 29 octobre 1985

 

      

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Marginal et original.

 

“… De plus, son œuvre ‘La Nuit du Troisième Jour’ s’inscrit pleinement dans la démarche pluridisciplinaire de cette manifestation. Elle mêle danse et théâtre, musique et chant. Un spectacle total, une sorte d’opéra ultra esthétique créé par Armando Bergallo et Hector Vilche, plasticiens de formation”.

 

On suit les pérégrinations sentimentales d’un homme mi-don Juan, mi-Faust guidé par Méphistophélès, sur une partition musicale très variée. Elle s’élire de Verdi à Piazzolla, de Schumann revu et corrigé aux compositions propres du Taller. C’est une curiosité tout à fait Sigma, à la fois sulfureuse et provocante, vénéneuse et attirante”.

 

LE FIGARO - Emmanuèle Frois, 19 novembre 1985

 

    

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Quel talent ce Taller !

 

Dix spectacles pour la partie théâtre du 21e festival Sigma de Bordeaux : s’il n’en reste qu’un, ce sera « La Nuit du troisième jour » par le Taller d’Amsterdam.

 

“... Ce spectacle relance perpétuellement les images, les effets et la musique suscite des surprises étonnantes de perfection et de densité. Armando Bergallo, l’un des deux directeurs du Taller (avec Hector Vilche), est le héros très dénudé (et violé) de cette Nuit : « Il était nécessaires qu’un de nous deux tienne ce rôle – pour les deux. C’est un règlement de comptes avec nous-mêmes. Un moment douloureux mais nécessaire ».

Ce héros est entraîné par un valet méphistophélique dans un parcours sexuel initiatique. D’abord en bottes de cuir noir et collant blanc laissant ses fesses à nu, puis habillé en femme avant de subir les pires outrages d’un masseur de sauna, notre homme croise les dieux de l’Olympe : quatre immenses poupées qui citent Platon et chantent en allemand, accompagnées à l’orgue. Puis il danse un tango avec un couple : « le point clé du spectacle », selon ses deux auteurs. Et la première de multiples scènes où règne l’ambivalence, avec de multiples changements de décor, mais aussi de partenaires et de sexes.

L’homosexualité – latente – s’y nie elle-même au profit du passage d’un sexe à l’autre. Ambivalence aussi bien du comportement (vestimentaire notamment que du désir : « Casanova se déguisait en fille pour mieux jouir des femmes », affirment en chœur Armando Bergallo et Hector Vilche. Une scène se déroule autour d’une vespasienne, lieu habituel d’une drague silencieuse homosexuelle masculine, mais ici, s’y trouve hommes et femmes. En un ballet dérisoire, traité avec un sérieux quasi-tragique, fuyant le travestîmes de cabaret au profit d’un non-conformisme à la Marcel Duchamp. Evitant la provocation pour lui préférer une contagion du goût et de la mémoire...”.


“… On nous reproché une absence de clarté. Mais nous faisons profession de cette absence.

A raison. Leur pièce maintient sans cesse le spectateur sur le qui-vive. C’est le principal ressort d’un plaisir nourri par un déluge de propositions pour le regard et l’écoute…”.

 

LIBERATION - Jean-Jacques Samary, 24 novembre 1985

 

 

    

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Festival de Lille.

 

« La Nuit du Troisième Jour ».

 

Le Taller d’Amsterdam a encore frappé. Personne n’en sort intact.

 

“Cela pourrait être du théâtre, cela pourrait être de l’opéra, cela pourrait être une série de compositions plastiques qui défile sous vos yeux, cela pourrait être … Mais ce n’est rien de cela, même si c’est un peu de tout à la fois. C’est en fait, tout simplement le Taller d’Amsterdam.

Déjà, lorsque cette troupe était venue, il y a trois ans, invitée dans le cadre du festival de Lille, sa pièce « Le Désert » avait, sinon choqué, du moins bouleversé quelques idées reçues. Le spectacle proposé par le Taller, ne peut laisser indifférent.

« La Nuit du Troisième Jour » est en fait le second volet d’un tryptique dont « Le Désert » constituait le premier. Comment résumer cette pièce irracontable ? Cela pourrait être la suite de « Don Juan », ou ce qui se passe après le repas avec le commandeur. Don Juan est aux enfers. Il y connaît toutes les joies, tous les plaisirs, toute les déchéances aussi, sous la conduite d’un extraordinaire Méphisto-serviteur, implacable maître du jeu.

Immanquablement, on pense sans cesse à Bataille, à Arthaud, à Fellini, voire à Pasolini.

Le Taller ne fait pas dans la nuance. Plein les yeux sans arrêt. Pourtant, sans être ni chaste, ni pur, ce spectacle ne joue pas sur la provocation (sauf si le fait de montrer un corps nu peut paraître encore œuvre de provocation !

Le Taller est une sorte de bulldozer artistique, qui renverse tout sur son passage. Il interroge, il questionne. Le spectateur peut répondre, il est même invité à le faire. Il ne peut rester insensible aux images, tantôt glacées, tantôt sulfureuses, qui lui sont proposées. Et c’est vis-à-vis d’elles, dans son for intérieur, qu’il doit se prononcer, loin de toute autre barrière.

Le Taller dérange, parce qu’il tient compte de tout cela. La religieuse apparaissant soudain sur un tricycle pour jeter l’anathème sur les spectateurs, peut paraître un gag ; la chanteuse demandant au public si elle a le droit de chanter, un autre. Et pourtant, rien n’est gratuit. Tout est mesuré, réglé.

Et puis, lorsque tout cela vous aura bien travaillé l’esprit pendant deux heures, lorsque vous direz au fond de votre fauteuil de l’opéra de Lille. « Ca y est, j’ai compris le message », la dernière image de la pièce que vous verrez, c’est celle  de tous les comédiens de la troupe, dansant et chantant sur « Singing in the rain » sur fond de sexe géant et béant. Le dernier pied de nez du Taller.

 

LIBERTE - Jean-Claude Piau, novembre 1985

    

 

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La forme du Taller.

 

“Comment décrire un spectacle qui repose sur la stupéfaction qu’il engendre ? Comment le réduire ? Comment seulement tenter d’y entrer par l’analyse alors même que l’on en sort tout éclabousse de ses images volées dans les étoiles ?

Donc, le Taller d’Amsterdam est revenu à Sigma avec un spectacle jusqu’à hier soir inédit en France. ‘La Nuit du troisième Jour’ Un opéra cochon et métaphysique voué à Eros et Thanatos. De la Genèse, à laquelle le titre se réfère, il est retenu qu’au commencement était le verbe – un rien retardé pour les besoins du commerce jusqu’à l’anecdote de Babel – et qu’il s’est fait chair. Comprenons bien : amour et mort.

Le spectacle débute en rouge et noir. Il évolue ensuite dans le blanc de la soie d’une alcôve onirique. Puis il prend le pseudo deuil des plaisirs dont on fait les péchés capiteux-capitaux mais à tous les coups mortels. La rédemption s’effectue dans l’arc-en-ciel made in Broadway.

Mais pourquoi parler de couleurs alors que tout est musique ? Voilà bien la question. Car ce spectacle de caresses échappe aux mots, s’il est vrai que les mots sont bavards et qu’il leur est difficile de s’expliquer en quelques phrases sur un projet aussi extraordinairement gavé d’intentions.

Si l’on veut : un opéra. Un office de célébration qui déploie très lentement ses corolles vénéneuses. Un théâtre, d’images et de chants mêlés qui effleure l’essence des choses comme une jeune fille rêveuse, alanguie et très belle, feuillèterait un magazine glacé. Nous sommes chez Baudelaire. Il y a là un rêve de pierre. Et la beauté narcissique, hygiénique, qui s’offre à tout va, à l’évidence hait le mouvement qui dépare le signe. Il n’y a rien que de très sensuel. Mais comme peut l’être la brûlure de la glace.

On l’aura compris : cette nuit du troisième jour dérange nos habitudes et déplace nos repères. Nous n’avions jamais vu ça. Un tel écart feint entre l’esthétique et l’éthique. Depuis l’opéra germanique. Depuis la Grèce.

Gloria !”.

 SUD-OUEST - Jean Eimer, 13 novembre 1985

 

 

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ROGER LAFOSSE, Fondateur et Directeur du Festival Sigma, Bordeaux.

 

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  LE DESERT

 

1982 - 1983

 

 

Le Taller : spectacle total.

 

C’est la danse, du mime, du théâtre, de la sculpture, de la musique. C’est tout cela à la fois et encore autre chose. Courez-y !

 

“Encore de l’avant-garde ! Oui, la prétendue avant-garde est souvent comme les nouilles : beaucoup de vide avec un de pâte autour. Mais voilà, il y a toujours une exception. Elle se nomme le Taller d’Amsterdam.

En 1979, nous vous avions révélé ce groupe extraordinaire quand il s’était produit dans les sous-sols du centre Georges Pompidou. Le voici de retour pour quelques jours, au théâtre des Amandiers de Nanterre. Le spectacle prouve que le talent a la peau dure. On peut évoquer l’homme et sa condition dans notre époque, sans verser dans le prêchi-prêcha. La politique ne lui a pas coupé les ailes de la sensibilité.

On ne s’enlise pas ici dans un discours de troisième main.

Pour s’en convaincre, il faut voir « Le Désert ». Alors des images bourrées de trouvailles et de lumière fabuleuse vous trotteront dans la tête pour longtemps. Et dans ces jours sinistres et laborieux, elles nous aideront à ne pas désespérer du soleil.

Cette poignée de complices musiciens, architectes, peintres, sculpteurs, comédiens, chanteurs, pétris de dons naturels vous font plonger dans un spectacle total plein de métamorphoses et d’invention. Le plus récalcitrant d’entre nous ne résistera pas à cet enchantement. Voici enfin des artistes qui sont à la hauteur de leurs grandes idées. Ils vont à l’essentiel avec une simplicité et un naturel dont on a un peu perdu l’habitude.

L’intelligence de la mise en scène, le jeu captivant des acteurs, l’utilisation de la lumière et de la musique, vous donneront le frisson. On est captivé d’un bout à l’autre…“.

“Ce qu’il y a d’étrange dans ce spectacle, son caractère quasi intemporel remettent superbement l’avant-garde à sa place. On ne peut passer soirée mieux accordée tout à la fois au rêve et à l’intelligence.

 

LE FIGARO - Jean-Marie Tasset, 3 mars 1982


 

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Conclusion brillante de la Biennale de Nanterre : 'Le Désert', présenté par le Taller Amsterdam. Ou l’art auditif et visuel envisagé comme « une extraordinaire possibilité de dissidence »…

 

“Tout ce raffinement, auquel la communauté gay d’Amsterdam n’est peut-être pas étrangère, résulte-t-il d’un culte de l’art pour l’art ? « Certainement pas » réplique Armando Bergallo l’un des pères fondateurs du Taller. « 'Le Désert' est le résultat d’une démarche dans laquelle le social est autant analysé que l’esthétique. Ses personnages sont un guide, un sportif, une femme d’intérieure ou un père de famille. Donc des gens très ordinaires. Mais victimes d’un comportement servile puisque, au nom de la Raison, le monde a balayé tous les particularismes et laissé la place à une simplification tragique de la vie. Il en résulte un rationalisme totalitaire qui méprise les individus. Seul l’art peut lutter efficacement contre lui. Il est une extraordinaire possibilité de dissidence. Notre travail consiste à essayer d’établir de nouvelles voies de communication. Que les idéologies soient d’inspiration bourgeoise ou marxiste, on retrouve toujours cette même réduction de la conscience individuelle, de l’imagination et de l’intériorité et la volonté de ne considérer l’homme que comme un élément dans une masse ». Armando le chauve conclut. Et Le Désert, cette méditation sur l’être humain en tant qu’individu, commence. En suscitant l’évènement, car elle rassemble pleinement auditif et visuel”.

 

LIBERATION - Philippe Olivier, 4 mars 1982


    

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Un manifeste du nouveau théâtre.

 

“Apothéose de la troisième Biennale de Nanterre. « Voix, théâtres et musiques d’aujourd’hui » ‘Le Désert’ par le Taller d’Amsterdam, un groupe de musiciens, architectes, peintres, sculpteurs, comédiens et chanteurs qui ont décidé que « l’art est une extraordinaire possibilité de dissidence »… ”.

 

“… Jamais, depuis « Einstein on the Beach » par Bob Wilson et Phil Glass, je n’avais vu quelque chose d’aussi beau, d’aussi neuf. Point d’orgue entre l’opéra et le théâtre parlé, entre la musique et la peinture, la sculpture et l’imaginaire, ‘Le Désert’ est tout à la fois, une somme, un raccourci, un éclatement, des arts auditifs et visuels. L’œil écoute…”.

 

“…Quête d’un homme ou quête d’un théâtre où se fondent toutes les formes d’expressions possibles, où l’on assassine Mondrian (c’est la mort du père) et où où l’on enferme Francis Bacon dans ces cages faites de tubulures blanches, les artistes du Taller cherchent et trouvent. La où tant d’autres ont trébuché sur les marches du théâtre musical, ils inventent un théâtre total...”.

 

ARTS - Caroline Alexander, 4 mars 1982

   

 

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'The Desert': indrukwekkend totaaltheater Taller-Amsterdam.

 

“… een van de weinige produkties waarop de uitdrukking ‘totaaltheater’ werkelijk van toepassing is”.

 

DE TELEGRAAF - Wim Gijsen, 28 mei 1983

    

 

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Tallers 'The Desert' is beeldschoon van klank en vorm.

 

“...The Desert is beeldend muziektheater sterk neigend naar surrealisme...".  


"…De schoonheid, de esthetische waarde van klank en beeld, gaat voor alles...".


"…Een heel dwingende bekoring hebben scènes waarin aspecten van het verleden of uit de kunst met een wufte minachting worden aangestipt, alsof het inspirerende effect alleen een geestelijke maar zeker geen fysieke kwestie is...”.

 

DE VOLKSKRANT - Hanny Alkema, 3 juni 1983

   

    

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Einmal Wüste hin und zurück.

 

Die Aufführung der Amsterdammer Gruppe Taller gilt als einer der Geheimtips des Festivals “Berlin-Amsterdam”.

 

“...Seit ‘Einstein on the Beach’ von Philip Glass und Robert Wilson gab es nichts vergleichbar Schönes zwischen Oper und Sprechtheater, Musik und Malerei, Skulptur und Imaginärem...”.

 

FESTIVAL BERLIN-AMSTERDAM, 18-23 Juni 1983

    

 

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Taller im Tempodrom.

 

Einladung zu Assoziationen.

 

“...Ohne Zweifel beherrscht ‚Taller’ nach 20jähriger Erfahrung mit multimedialen Projekten die Mittel der Formen- und Bildersprache perfekt...”.


VOLKSBLATT BERLIN – 19 Juni 1983

 

 

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'The Desert': theater van grote allure.

 

“...Visueel en muzikaal vooral is ‘The Desert’ een belangrijke, theatrale ontwikkeling. Er zijn prachtige zetstukken, elk op zich een kunstwerk. Teksten van Shakespeare, Goethe en Joyce, muziek van Purcell, Gounod en Schoenberg en prachtige kostuums uit eigen ateliers...”.

 

DE TELEGRAAF - Wim Gijsen, 18 september 1983

 

    

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'Le Désert' au Palais Rameau.

 

Beckett chez Fellini dans un opéra forain.

 

“...Dans la superbe orchestration d’une mise en images qui, parfois, coupe le souffle, et l’extrême parti-pris de lenteur qui anime ces figures de ballet, ces séquences de fondu-enchaîné, ces frises qui glissent à l’arrière-plan, ces instantanés sculptés par la lumière que l’obscurité engloutit aussitôt, ces actions simultanées qu’aucun lien logique ne relie, cette invasion de symboles, de signes cabalistiques, d’intentions lourdes de non-sens qui nous menace de toutes parts, on reste saisi, partagé entre l’envoûtement, qui, peu à peu, vous gagne, et l’accablement que provoque, en même temps, le sentiment d’être étranger à tout cela...”.

 

VOIX DU NORD, LILLE - Jean-Marie Sourgens, 30 octobre 1982

 

 

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Icones à la casse.

 

“...En inaugurant le cycle de théâtre du Festival de Lille le Taller d’Amsterdam vient de remuer sérieusement le cocotier. D’origine sud-américaine pour la plupart, les membres de cette troupe mondialement connue ont passé à la moulinette les éléments de la vie., du passé, de la mémoire pour rendre dans ses hésitations un parcours humain, doublé de la complexité du parcours artistiques lui-même...”.

 

LIBERTE - Jean-Marie Diricq, 1 novembre 1982

 

     

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Le Taller Amsterdam ou le Théâtre à l’Opéra.

 

“...Un spectacle très fort. Certainement pas drôle. Lent. Froid. Mais d’une telle perfection technique qu’il finit par boulverser les plus rétifs. Et l’on en sort le cœur gros...”.

 

SUD-OUEST - Jean Eimer, 12 novembre 1982

 

      

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Mirages fertiles

 

“...Ils sont jeunes, beaux, bourrés d’intentions et de talents. Peintres, plasticiens, sculpteurs, musiciens, acteurs,… ”.


“...Freud est au pupitre, mais là n’est pas la raison d’être, de jouer de ces artisans d’un théâtre des sens. Les disciplines s’y marient pour la beauté de l’image, du mouvement, du son. Ce désert de gravier qui ondule sur scène, les comédiens l’habitent de visions où se mirent, en liberté, les fantasmes de tout un chacun...”.


“...Ceux de ‘Taller’ ménagent une plage de songes, opèrent un viol en douceur de l’inconscient. Il s’agit de revendiquer, haut la main, l’intimité souveraine de chacun sans pour autant mettre au rancart le rude diktat de la réalité...”.


“...La France y a cru. Nanterre et de Sigma Bordeaux ont déjà rendu leur verdict, enthousiaste …”.

 

L'HUMANITE - Michel Boue, 26 novembre 1982

 

 

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  REPORTAGE

 

 

 

Plastic World

 

DESIGNING in plastics is now one of the most appealing of all challenges offered to the architect and industrial designer. Any London perambulator interested in domestic design can see in the showrooms of Zarach, Aibrizzi, Presents and General Trading, a remarkable range of Perspex objects, varying from furniture to decorative objects.
One of the most experimental designers in plastic is Armando Bergallo, a South American now working in London. As he is an in - tenor designer - decorator, he has extended his range from furniture to objects, both functional and decorative. He thinks that any living-room ought to suit the basic needs and comforts of its tenant, but should also provide a high degree of visual stimulation as well. He likes to experiment with all sorts of materials, but especially with Perspex. He also designs in Perspex objects related to more traditional materials, such as wood and metal. The table on the opposite page, below right, is a typical example of his work in this sphere: it is big enough to have several people sitting around it, and it is also an object to promote continuous visual pleasure, with its interplay of colours in a Perspex box.
Little wonder that more and more designers are turning to the challenge of plastics.

 

HOUSE & GARDEN – December / January 1974

 

 

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Colour and fantasy in the bathroom

 

Putting pattern on the walls is one of the simplest means of creating a decorative bathroom. Pattern detracts from the hard, aseptic look of most bathroom equipment and adds a sense of gaiety to a room which, thanks to its basic necessity for efficiency above all other considerations, is usually far too sober and stark for overmuch visual pleasure.

The extravagantly floriated and figured mural by Armando Bergallo has transformed a bathroom (originally the wine cellar) in a house in Harley Street, in London’s West End, into the exotic cave of a room you see here. Mr. Bergallo is a South American artist, member of the Taller de Montevideo group, now working in London.

Interior decorator Esteban Cerda has used a Chinoiserie paper to cover walls and bath panel in the bathroom of his house in St. John’s Wood.

Although few of us could afford to engage in the decorative flights of fancy shown in the eastern bathroom, there are touches aplenty here which would provide motifs for occidental bathrooms.

Not quite so exotic, but very pretty and within anybody’s reach, is the sort of patterned wallcoverings shown in a French bathroom with matching fabric used for curtains, and in a bathroom with a Vogue bath and paper by Coles.

 

HOUSE & GARDEN - 1973

 

 

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LAS SEMILLAS DE LA AURORA

 

1972

 

 

Film International Rotterdam


'Het Zaad van de Ochtendstond'


Noodzaak tot revolutie verbijsterend aangetoond.


DE VOLKSKRANT, B.J. Bertina - 21 februari 1973



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Film International Rotterdam


Eindelijk een film die goed bevalt

 

“…’Het zaad van de ochtendstond’ is ten dele in het Spaans gesproken en ten dele in het Frans. Er zijn geen ondertitels. Louter door het feit dat de makers weten wat filmen is komt hun boodschap over…”

 

HET VRIJE VOLK, Arthur Provoost – 20 februari 1973

 

 

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Las Semillas de la Aurora

 

“…In most countries ‘devils metal’ means gold. in Bolivia it is bitterly used to describe the country’s main natural resorce: tin. A feature film is now being shot in England which deals with a massacre by machine gun and aerial. bombardment of Bolivian tin miners (milicianos) in 1966 by a combined force of’ Bolivian and American troops. It is worth reiterating the history of the 1966 massacre to give some idea of the relevance and the importance of the film: a relevance shared by ‘Z’ and the ‘Battie of Algiers’, an importance conspiciously absent in so much contemporary British cinema.

 
WilI this movie ever achieve a wide distribution? lt’s hard to say. The ‘Whitehaven News’ whose letterhead is a smokey industrial wasteland with what looks like a tophatted woman in skirts sitting on a stone monument, proclaiming the Latin motto - Perseverance Conquers Ail - and below it the two words - Commerce and Agriculture - is the only paper so far to report on the film.
The film is about what you might find hidden underneath that stone inonument. English miners at Lowca, Cumberland agreed to participate for free in the movie while at work in their own pits. The young people of the city served as non-paid extras. The remaining sections of the film wilI be shot in London and Paris. The finished product will include newsreels of specific Latin American incidents whose participants are either in jail, exiled or dead. One wonders at the numbers of directors and producers who religiously moan about the absence of good scripts, the tedium and shallowness of most contemporary cinema. The newspapers are mines of scenarios. No one yet owns the ‘rights’ on what happened in Bolivia in 1966. There is the great advantage of reality…”.

TIME OUT, Tim Harris – September 16, 1972


 

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Low budget film has Lowca background for mine scenes

 

“…Part of a film, provisionally entitled “Film” is being ‘shot’ at Lowca. It tells of a Bolivian miners’ strike in 1966, and the massacre of hundred of men women, and children, which ensued when the miners refused to return to work…”

 

“…The pit wheels at Lowca may have stopped turning, but the cameras whirled on this week as sequences from a film were ‘shot’ among the stark grey dereliction of the pit’s industrial past…”

 

THE WHITEHAVEN NEWS – August 12, 1971

 

 

 

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LES PROJETS  "CRONUS"

 

1967 - 1979

 

 

“…CRONUS. The evolution of this complex artistic manifestation through previous stages created by the group in Paris (taking a prize at the VI Biennale de Paris), London, Madrid and elsewhere in Europe has developed an increasingly rich integration of constructed kinetic sculptural elements, projections of light and sound, and bodily movement. Far from being set pieces in the usual sense of theater or the dance, CRONUS aims at a synthesis of motor and haptic human experience with varied and flexible elements of light, sound and time perception. In order to stimulate an intensified awareness of the interpenetration and simultaneity of these experiences, CRONUS employs a greater degree of predetermined structure and composition than the happenings of Oldenburg and Kaprew, but the nature of this formal outline is invented a new wherever and whenever CRONUS is to take place, providing a spontaneity and fresh awareness to both artists and spectators in each presentation…”

 

Dennis Adrian, Art Advisor Ravinia Festival Chicago.

   

 

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CRONUS 11

 

LA CITE TRANSPARENTE

 

1979

 

 


Transparences et Profondeurs


Un dialogue du réel et de l'irréel, tel est apparu au Centre Georges Pompidou le CRONUS 11, exactement 10 ans après que CRONUS 5 ait hanté par sa grande structure la 6e Biennale de Paris au Musée d'Art Moderne. Est-ce une réminiscence du préhistorique ou un raid dans la science fiction ? la rigueur exacerbée d'un monde organisé, trop organisé ? une nouvelle émergence d'un  parcours poétique où les gestes se substituent aux mots, la musique aux silences ? Cage dont  les vides constituent des obstacles, les barreaux les seuls tremplins, CRONUS 11 échappe à l'analyse, à l'explication. Sa charge explosive foisonne de symboles qui transforment insensiblement et à son insu le spectateur en complice, l'indifférent en passionné, en inquiet ou en enthousiaste.


Chacun d'entre nous devient ambivalent, en dehors autant qu'en dedans de la structure, voyeur  et participant de cette ville où le rythme de la journée est marqué par la sonnerie, par l'homme - discipline qui incarne le temps mais aussi l'ordre - Aux quatre coins d’un horizon saisis, ô paradoxe, par un seul regard, la vie se déroule, identique dans ses rythmes, marquée cependant    par l'empreinte de chaque protagoniste encore capable de résister à l'uniformité. Pour combien de temps ? Se lever, se laver, se déplacer, travailler, manger, retravailler, dormir, se succèdent sans fantaisies, scandés par les harmonies complexes de la symphonie urbaine. Certes, la sécurité règne, mais l'imagination a disparu.


Le public est saisi ; la crainte et  l'inquiétude entraînent son esprit vagabond à l'intérieur de la cage et il s'attend à voir les formes blanches, mobiles comme des automates, se figer peu à peu  par ankylose des muscles ou sclérose de l'âme, et rejoindre les mannequins inanimés qui peuplent déjà, tels des fossiles, les carrefours de la ville organisée.


Tout  à coup, telle une décharge d'électricité statique qui ferait s'évanouir une tension nerveuse que l'angoisse a poussé au paroxysme, jaillissent les notes d'un clavecin. Sa musique baroque s'accorde, avec hésitation, à l'austérité de ce lieu dont l'irréalité matérielle couve la réalité quotidienne. Tel l'arrivée du printemps, le son grêle et métallique fait renaître l'espoir, le rêve, la  vie, la joie, le mouvement. Aux visages froids et immobiles de l'être humain possédé de la ville, se substitue un univers animal où la grâce et la fantaisie se conjuguent au dialogue, à la rencontre. La communication se rétablirait-elle ?


Hélas, cette échappée vers la nature, vers la sève de la spontanéité risque d'être récupérée par  l'organisation ; un avertissement est notifié à ce monde différent dans lequel l'unité de la vie se rétablissait dans une conjonction de la terre et du ciel, de l'âme et de la matière. La panique étreint ces personnages mi-bêtes mi-hommes qui ne savent si cet ordre du monde leur est imposé ou seulement proposé, s'ils restent libres ou s'ils sont plongés dans l'inexorable.


CRONUS 11, dans un carré de huit mètres de côté, a conduit ceux qui l'ont vu et vécu dans les méandres d'u n voyage où l'éternité lumineuse alterne avec l'enfer de la vie monotone et de l'ennui. Exister sans vivre, vivre ailleurs, différemment ? Ce sont pour moi - mais dans cette  ambiance, l’interprétation ne peut être que personnelle - les deux pôles d'un parcours mystérieux où chaque geste, chaque séquence musicale, chaque perception de la relation espace-temps-lumière constituent autant d'interrogations sur le présent et le devenir, sur les limites de  la volonté comme sur la profondeur du trou où plonge la passivité.

 

La «ville transparente » n’est pas une simulation que l’on regarde, mais une forme nouvelle de communication où chacun s’implique et se livre sur lui-même à une introspection fascinante. Provoquer la sensibilité, l’émotion, à travers des cagoules sans visages, par le contraste absolu du noir et du blanc à peine tempéré par l’irisation nacrée de couleur de lune ou d’aurore, par l’opposition de musiques où les sons et la mélodie s’interpénètrent si complètement avec le geste, la lumière et le matériau de la structure, tel est le tour de force conçu, réalisé et interprété par l’équipe du Taller Amsterdam. Qu’elle soit remerciée de nous avoir permis d’aller, par nous-mêmes, au-delà de nous-mêmes, au plus profond de nous-mêmes.

 


Jacques Mullender
Directeur du Centre de Création Industrielle Centre Georges Pompidou Paris

2 juillet 1979

 

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A Beaubourg: la cité transparente

Par le Taller Amsterdam

Une expérience plastique, audiovisuelle et théâtrale

 

“… ‘la Cité transparente’, est installé pour un mois dans le sous-sol de Beaubourg, où

 Il faut absolument aller le voir…”. 

 

“…’la Cité transparente’ peut se voir comme une sculpture pénétrable, une architecture, à la fois cellule d’habitation, lieu de travail, lieu de loisir ou lieu d’emprisonnement, mais encore comme une peinture à trois dimensions fortement imprégnée de surréalisme…”.

 

“…Expérience plastique, audiovisuelle, et théâtrale, la pièce du Taller est l’une de ces tentatives d’un art élargi, ou l’invitation à la prise de possession de l’espace est aussi une invitation à la prise de conscience”.

 

LE MATIN, Maïten Bouisset - 17 juin 1979

 

 

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Cronus 11 :

L’homme en quête de l’homme

 

“…Quelle surprise! ‘Cronus 11 – La Cité Transparente’ du Taller Amsterdam est aux antipodes de tout ce que l’on peut voir. L’invention est partout. Exécution parfaite, à nulle autre pareille, qu’aucun pisse-froid rancunier ne réussira à enterrer.

Ni théâtre, ni mime. Nous voyageons pendant cinquante minutes dans un tableau vivant...”.

 

“…Nous tairons la fin, fascinante. Les auteurs nous offrent une des œuvres majeures de l’avant-garde que l’on peut voir aujourd’hui, sans une seconde d’ennui, de torpeur ou de pesanteur. C’est un peu l’histoire renouvelée d’Ulysse et Télémaque, le père en quête du fils, le fils en quête du père l’homme en quête de l’homme”.

 

LE FIGARO, Jean-Marie Tasset – 22 juin 1979.

 

 

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Cronus 11

 

“The West End starts with humans and moulds them into plastic representations of humanity ; Taller Amsterdam starts with the plastic and works backwards to reality …”.


THE GUARDIAN, Andrew Veitch – July 13, 1979

 

 

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Dummies in Search of Their Fantasies

 

“…What we have here is something entirely fresh, with a debt, no doubt, to avant-garde theatre, yet with a specific originality in form and content…”.

 

INTERNATIONAL HERALD TRIBUNE - June 30 / July 1, 1979

 

 

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Taller In Mixed Media

 

‘Cronus 11’ is the latest creation of the Dutch-based multi-media group Taller. Change its only fixed feature. Steve Grant’s voyage around it inspired some reflections on cultural preoccupations.

 

“…As part of such a show of intellectual vigour this kind of experimentation has a real point. To the arts-cut, Tory-riddled, sex-in-the-head-battered London theatergoer Taller should provide at least a welcome whiff of foreign travail. And that can only be good for business”.

 

TIME OUT, Steve Grant – 13/19 July 1978

 

 

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ICA

Cronus 11

 

“Taller Amsterdam has brought to London a ‘presentation’ of visually exciting and mentally provocative experimental quality. I say ‘presentation’ because this particular piece stretches to the point of contortion conventional definitions of ‘theatre’ and ‘drama’…”.

 

“…’Economy of movement and mathematical precision are not taken to the extreme of Bauhaus dance, but certainly the visual action and thematic concern is reflected in Bauhaus philosophy concerning stage presentation: Unity is heralded by order in multiplicity. Order is the law of the work of art…’ (Die Bauhausbühne, 1922) and ‘Be simple… Start from space, from its law and its mystery’ (Oskar Schlemmer, 1929). It is indeed fascinating.

It is a shame that similarly divergent forms are not being attempted in this country. This definitely must be seen”.

 

THE STAGE and TELEVISION TODAY, Yuri Kohut – July 19, 1979

 

 

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Taller Amsterdam

 

“…The subtitle ‘The Transparent City’, because there is a suggestion of the rhythm of life in a city, and a city you can see through. The change from dummies to animals is man’s capacity for fantasy, which is the only possibility for his freedom. Of course, there is a double game, in that normally you go to look at an animal bur here, the animal starts looking at you, therefore, breaking the probability of the public relaxing. It could be seen as breaking the limits between reality and unreality…”.

 

VIZ, Robyn Bowman - n° 7, 1979

 

 

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Cronus 11

Ou La Cité Transparente

 

“Chacune des expériences plastiques, audiovisuelles et théâtrales que le Taller Amsterdam – groupe de jeunes artistes pluridisciplinaires – présente un peu partout à travers le monde, est une tentative d’ouverture des frontières de l’art. la dernière en date, ‘Cronus 11 ou la cité transparente’, vient de faire escale au Centre Pompidou avant de partir pour l’Angleterre et la Hollande”.

 

“…Apparemment il s’agit de réutiliser l’espace inattendue. En réalité, et l’expérience le prouve, on fait vibrer dans le cœur des spectateurs – par la manière dont s’articulent les décors, dont se meuvent les acteurs, donnent naissent les sons en quadriphonie – des espérances et de souterraines émotions. Chacun est renvoyé à sa propre réalité, à d’autres réalités possibles. La porte reste ouverte car toutes les explications sont possibles, toutes les vérités sont vraies. « Il faut suggérer et non pas dire.. Car ‘dire’ c’est toujours ‘affirmer’ », professent les membres du groupe. Dans cette pièce, c’est l’homme qui marque le rythme de ce qui se passe. Il ne s’agit plus de l’homme par rapport à une machine, ni du spectateur déplaçant des objets, ce qui, au terme des réflexions du groupe, n’était pas encore un spectacle, mais restait de l’ordre des expositions.

Dans cette cité transparente, sculpture pénétrable, architecture à la fois cellule d’habitation, lieu de travail, lieu de loisir, lieu d’emprisonnement, où se réveillent, vivent, mangent, boivent, circulent femmes de ménage, bureaucrates, prostituées, médecins, secrétaires, le spectateur n’a plus le droit de pénétrer. Il y a interdit…”. 

 

“…Ainsi, tout au long de ce mimodrame qui voit les mannequins dans des positions quotidiennes, les acteurs vaquer à leurs occupations, prendre le train ou surveiller des prisonniers le revolver à la main, un grand absent se fait sentir : l’amour. Aucun geste, aucune référence, aucun détail ne l’évoque. A tel point que le plus réfractaire des spectateurs s’en étonne et sort de la représentation assoiffé d’amour, assoiffé de couleurs, assoiffé de liberté…”

 

CONNAISSANCE DES ARTS, Gilles Néret, 1979

 

 

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Rassegna stabili

Gli attori-manuchine di « Cronus » la citta trasparente

 

“…Tutta l’azione dipende infatti dallo speciale ambiente in cui viene concentrata, intelaiatura candida e lucente di tubi metallici, metafora volutamente stereotipita dell’incasellamento in un universo urbano dove regnano sovrani, nella « normalità » di ogni giorno, la sicurezza e l’ordine. Ma proprio in questo ambiente, in cui l’immaginazione è al bando, si tenta il cammini a ritroso per i “dubbiosi meandri del subsconscio”. Sull’onda sonora del canto ammaliatore della Medusa, i cittadini-robot si inoltrano alla scoperta della propria maschera animale, quella che potrà forse permettere il recupero della libertà di un’esistenza al di là del potere.

PAESE SERA – 25 aprile, 1980

 

 

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Alla Rassegna dei teatri stabili

La città trasparente


Primo spettacolo olandese con “Cronus 11” all’Andrea del Sarto –Suggestiva e affascinante rappresentazione colma di significazioni e di allegoriche immagini – Un vivo successo.


“…Attorno, l’atmosfera pastorale si sviluppa come in grandi cerchi e attraverso segni da  decifrare. Un messaggio, ad esempio, perviene, segreto, a tutti gli uomini-animali: e un signore di rosso vestito fa la sua apparizione in salotto mordendo una mela …”.

 

“... Il senso dcl peccato riaffiora inconscio, non ne resterà traccia, magari, domani quando la città trasparente tornerà ad animarsi dei suoi abitanti anonimi, asettici, deserti d’amore perché deserti di fantasia.

Non so se veramente siano questi i significati allegorici dello spettacolo. Credo sia possibile anche dare altre e non meno personali interpretazioni. So invece di sicuro che fortissima è la suggestione derivante dalla fusione impeccabile di elementi e dalla precisione straordinaria di tutti coloro che partecipano all’azione. Fusione dalla quale lo spettatore riporta emozioni profonde e per la quale vivissimo è stato il consenso del pubblico mercoledi sera…”.

 

LA NAZIONE, Paolo Emillo Poesio – 25 abrile 1980

 

 

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“Nella gabbie della città trasparente”

 

L’UNITA, Antonio d’Orrico – 25 abrile 1980

 

 

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Per la R.I.T.S. l’Andrea del Sarto ospita gli olandesi

“La città trasparente”

un mondo tra sogno e realtà

 

“... Gli assentl hanno avuto torto: «Cronus .XI, la città trasparente» è tra gli spettacoli più interessanti della Rassegna dei Teatri Stabili, e certo uno di quelli che hanno pienamente giustificato la scelta del tema di quest’anno Deflnire «La città trasperente» uno spettacolo di mimo è improprio: si tratta in realtà d’una visione onirica, d’un insieme di quadri viventi (ma in movimento continuo) realizzati da un grupo de ex scultori e pintori. In una struttura lucente di tubi., metallici, con al centro un salotto appena schermato da veli di garca, si muovono personaggi simbolici, quasi tutu col volto coperto da maschere bianche. Bellissimi manichini, biancovestiti o in nero, si adattano plasticamente ad atteggiarsi sulla spinta delle creature viventi  secondo i riti dell’amore e dell’odio…”.

 

LA CITTA, Lucio Chiavarelli – 25 abrile 1980

 

 

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Il gruppo “Taller Amsterdam” alla rassegna internazionale degli stabili a Firenze

 

Una “performance” tutta mistero

 

Il lavoro “Cronus 11” risponde ad una ricerca sul rapporto uomo-ambiente, sul raccordo tra architettura, arti plastiche, illuminotecnica, cinetica e suono.

 

“...Che cos’è « Cronus 11 »? Un’avventura nel subconscio? Una desolata memoria di primordiali libertà? Un avvilito constatarsi prigionieri di norme e di miti ? Il contrasto tra reàltà e sogno?
Dov’è l’esistenza e dove la vita? E quali legami intercorrono? Che cos’è la mela mangiata da un essere di diabolico colore (il potere?) e poi sussunta dall’uomo? Gli animali dopo ciò, « regrediranno » a uomini? Le domande al possono moltiplicare, e le risposte è difficile che vengano e persuadano. Gli stessi autori non sono - volutamente – chiari. E’ probabile. che essi stessi procedano su una serie di stimoli, di suggestioni, e che in concreto intandano trasmetterci un’inquietudine ed un’emozione, una lista di possbilità e di finzioni, di ambiguità e di trasmutazioni, dati di civiltà e soffici seduzioni, un mondo di censure.e di rischi, ma soprattutto il corpo di un lavoro intenzionistico e narrativo insieme, l’esito di ardite copulazioni fra le arti, il traguardo d’intensità armoniosa d’una espressività che forse cerca, da ultimo, solo il proprio fascino; il fascino dei materiali, delle luci, dei gesti, dei suoni. Un’altra generazione matematica, d’ordine, presiede a questo spettacolo ma, appunto, l’armonia del numeri non è forse la più alta? Non fu già attribuita alle sfere celesti? E di essa non si fa ragioneria. Esecuzione impeccabile, con Bergallo e Montoya impegnati tra gli « operatori ».
Lo scorso anno “Cronus 11” è stato dato al Centro “Georges Pompidou” di Parigi e a Londra…”.

 

AVENIRE, Odoardo Bertani – 25 abrile 1980

 

 

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Cronus XI

 

“Taller Amsterdam investigates human behaviour and the human identity, the collective mind of the masses, the threat of power, and the fears and joys of our time. The group does this in close mutual contact with the masses, without becoming estranged from their exclusive artistic circle. It seeks a place in the crowd and there attempts to rediscover the individual. That is why in the course of the last years they have organised innumerable manifestations in many places such as London, Paris, The Hague, Chicago, New York, Venice, etc... The manifestations consisted of street experiments involving the reactions of people to the actions and objects presented by Taller. The goal of these investigations was to discover the relationships between man, object, space and time. In London in 1967 the group began a series of experiments of this nature entitled ‘Cronus’. This title does not mean anything. ‘Cronus’ is an arbitrary name followed by a number, since one experiment leads to another and each experiment is itself also subject to the changing insights arising from mutual communication and interaction with the public...".


The music is more than just a part

"... ‘Cronus XI’ is not only a spatial construction, nor is it merely ten figures’ mime. The music also plays a part electronic in the first half, and performed manually in the second half. Actually, the music is more than a constituent part. The figures react to the sounds; the clattering of chains, the howling of animals, knocks, the noise of the wind and the surf, and the swelling murmur of church bells. It is as if they receive instructions from the music and promptly, almost automatically carry them out. The music fulfils a different function in the second part. Instead of electronic music, a live ensemble plays eighteenth century music on the viola da gamba. One would expect that this melodious, classical music would give the presentation the character of a concert. However, that is absolutely not the case. Visual and audial media complement one another in a wonderful way. For example, at a certain point the white dolls put on white animal masks which they have taken out of their little black suitcases with rhythmical, robot-like gestures. Through this transformation, the primitive appearance of the dolls lends the music an ethereal beauty from a celestial sphere. After all, the civilised music of man is unimaginable in the jungle.
Explaining the music, the Taller group says the following: ‘The music has not been included as a backdrop. We believe that old music, if it is good, fits into all kinds of surroundings. The importance of music is not that it is so old, historical, but precisely in that it touches us so deeply. The emotions it arouses makes it a phenomenon of the present. However, because we know that the music is old, time (the past) hovers around in our presentation’...".


The structure gives a context

"...‘The architecture is extremely important’, the members of Taller explain, ‘because it indicates the dimension which makes it possible to feel the space and to understand the interdependence of the different things.’
The primitive human actions executed at the command of either screeching or threatening electronic noises in the first part had not only given me a feeling of loneliness, but also one of romantic seclusion such as felt in an attic room, reading or painting — an attic room in a large city. Didn’t the romantic wonder where it was possible to be even lonelier than in a metropolis? Is seems to me that such considerations point to a human quality in the almost mechanical performance of the white mannequins moving about as if in a trance. Others found the human factor to be completely missing or said that they, at least, could not discover it. The Taller group agreed with the latter opinion and thought it best to add the human element, a happy element, to the play. They did this in an equally surprising and original way by creating a red man. That is, a man dressed entirely in red, without a mask, who, at the end of the play enters into the central space - the room - without looking at the others. He proceeds to the table slowly, because speed is a part of everyday reality — and takes a piece of fruit out of a bowl. He eats the fruit. He retraces his steps. He disappears. The play ends. This scene was a complete surprise and I wondered if it was originally a part of the play.
Although I understood that white represented a neutral factor, a negation of natural appearances, a symbol of eternity, still the red man came as a relief, like a bit of common sense, or tasting the forbidden fruit out of free will without having been tempted to do so without fear of being punished. The end came too fast and it seemed more like a fragment, but then the unfinished in art has always been puzzling.
‘Cronus Xl’ received rave reviews in Paris and London. The critic Yuri Kohut, of The Stage and Television Today, wrote: ‘It is a shame that similarly divergent forms are not being attempted in this country. This definitely must be seen.’
It is clear that the members of the Taller group, by means of collective thinking and creating, seek a kind of art and communication which can be understood by all. Moreover, it is clear that they attach great value to individual interpretation of the collective happening. Is this a duality in their thinking and striving? Or do they walk on a mountain ridge, in a manner of speaking, from where they have an extraordinary beautiful view of both sides? “


 

Emile Meijer

  Historien d'art, Auteur, Fondateur et Directeur Musée Van Gogh Amsterdam - 1979

 

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PROPOSITION 10

 

1976

 

 

Kunst als medium voor sociale veranderingen

 

"…In de nieuwe vleugel van het Stedelijk Museum wordt een grote spiegelruimte opgebouwd, met wanden, vloer en plafond in een patroon van zwart-wit blokken als van een schaakbord. In die ruimte kan het publiek doorzichtige objecten verplaatsen als van een televisie, een stofzuiger of een boek, die geacht worden tot het levenspakket te behoren. Deze objecten zijn alleen maar als een doorzichtige vorm aanwezig en daarmee ontdaan van hun betekenis. Want een radio is meer dan een rechthoekig kastje, er zit een heel waarderingssysteem en productieproces aan vast, die op een veel bredere schaal doorspelen. Steeds als men zo’n object verplaatst ontstaat er op de muren een beeld- en geluidshow, die alle mogelijke facetten van het dagelijks leven in de wereld laten zien.

Met video-opnamen worden de reacties van de mensen opgenomen, er worden vragen gesteld, gesprekken gevoerd om op die manier de houding van het publiek na te gaan. Voor de groep is het weer een poging om mee te denken en mee te laten denken hoe een bewoonbare wereld eruit moet zien. Want voor Taller de Montevideo is kunst een antwoord op het milieu waarin zij leeft en functioneert kunst als bemiddelaarster in het proces van sociale veranderingen…"

 

DE VOLKSKRANT, Lily van Ginneken, 23 april 1976

 

 

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Taller de Montevideo:

Verander de wereld, begin bij de kunst

 

"… ‘Proposition 10’ is een experiment in de kunst. Maar er is meer. Er zit een didactische kant aan en niet slechts een artistieke. Het is een instrument dat door zijn opvoedkundige mogelijkheden en zijn scheppende stimulans bij onderwijs en studie gebruikt kan worden., bijvoorbeeld met betrekking tot het gedrag…"

 

KUNSTBEELD, Frans Duister – december 1976

 

 

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Proposition 10

 

“…In the Stedelijk Museum in Amsterdam an audiovisual room made of mirrors, a large box as it were, bas been constructed to which the public is admitted in smal1 groups.
One steps into a surprising, seemingly boundless world of reflections which, however, proves to be simple and systematically arranged: the floor and two of the walls are divided into black and white squares which are reflected by the other two walls and the ceiling.
Much like the pieces on a chessboard, transparent objects are scattered around the room representing aIl kinds of utensils drawn from the domains of work, the home and leisure time. The visitor can move these pieces around which triggers a reaction from the surroundings. Sounds are produced and film images flash on the walls with each move. This intense barrage of sensory impressions is analogous to the flood of mass media our consumer society subjects
us to daily. A splendid but disconcerting spectacle.
The intentions of ’Proposition 10’ are interesting, however, it still remains to be seen what will be grasped by an average museum visitor who is most likely too aesthetically conditioned to understand the message. On the other hand, the Taller group’s trust in the power of the stimulus-response theory may be too great. This psychological premise is perhaps too limited to foster revolutionary expectations.
Besides, the pretention that no aesthetic is being effected may prove to be a typical artist’s illusion. In any case, their attempt to allow visual inventiveness to function still remains a praiseworthy initiative...”

 

DE GROENE AMSTERDAMMER, Frank Gribling – December 22, 1976

 

 

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  THE CUBES


BIENNALE DE VENICE


1970

 


 

Man and Reality


“The Group Taller de Montevideo, all of Uruguayan origin, but based in London since 1963, will present in Venice extended versions of their presentations at the last Paris Biennale and at the Ravinia Festival in Chicago, in May. The principal development in their work is from an interior, theatrical relationship with the viewer; they are determined to break mural barriers by extending activities into the thoroughfare. In their own words - ‘Starting as a kinetic experience the Group first sought a new relationship between man and object. The next step Street Experience seeks to face man with reality, which transforms not only the aesthetic aspect but the apprehension of reality itself. At Venice we will fill an area of 12 x 9 metres with the elements to be seen in the photograph of Street Experience’. The members of the group at Venice will be Armando Bergallo, Ernesto Vila and Hector Vilche; at Chicago they were assisted by Teresa Ramos from Chile and two French colleagues Bénédicte Brasseur-Kermadec and Anne Jibe”.

ART AND ARTISTS, A.S. – June 1970

 

 

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Concern with space


This 35th Biennale of International Art has exploded into life and will run until the 25th of October.
If there is one theme that runs through this year, it is that of a concern with space: the containing of an object in space, the filling of an area, the breaking out from confinement. The basic influences are in evidence beside the younger protagonists. The factor of space may have a deep environmental undertone. The artist today is not ready to accept that a creative spirit is necessarily a lonely one. When Taller de Montevideo of Uruguay sets out his skeletal cubes, it is an invitation to walk through and around and take part in an imaginative involvement.


SCIENCE MONITOR, John Fitz. Maurice Mills - August 1970

  

 

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100 CUBES


MUSEUM OF CONTEMPORARY ART CHICAGO


CENTRAL PARK NEW YORK


1970

 


 

“…A momentous event happened in Chicago at noon yesterday. The second city, always the bridesmaid to New York when it comes to art, became the first American city to play host to the cubes. In fact, one hundred cubes were moved from the Museum of Contemporary Art on Ontario Street to Pioneer Court. And, what is more important, Chicagoans, often considered philistine by the cognoscente of Manhattan, responded to the cubes with a spontaneous elan.
‘We are really surprised at Chicago’s reaction to this experience’, said Jacqueline Lejeune, press agent for the Museum of Contemporary Art, ‘everyone was very excited. It was absolutely amazing’…”

CHICAGO TRIBUNE, Philip Caputo – August 28, 1970

 

 

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CRONUS VII


RAVINIA FESTIVAL CHICAGO


1970

 

 

“…Here are young artists who feel deeply that the individual contribution to the whole work is less important than the finished product. The magnificent decoration of Gothic cathedrals was carried out with much this same attitude.
But in our age of rampant insistence on the individual - especially of the artist - this group approach comes almost as a new thing.
The cooperative attitude pervades the presentation completely.
It sets the mood that the spectator must follow if the experience is to have any real meaning for him.
First off, one must give up the notion of being a passive spectator. This is an experience
- not a traditional display of paintings or a performance of ballet. Move about the cage slowly, quickly, in several directions. Come close, hang back. Crouch low, stretch out. And be willing to abandon the sense of logic which we insist on overlaying on all so-called serious art.
The Taller of Montevideo will open the doors to a very real nowhere for you. They will plunge you into a world of dreams made palpable. They will expose you to an experience of wrecking madness. They will speed up time and motion and than slow down to an unnatural crawl. They will help you open your mind to whatever sense-impressions you will permit to flow through it.
But do not be led to the belief that this is wholly abstracted…”

 

“…Can we avoid some thoughts of Cronus who devoured his children out of fear.., or of ‘chronos’ Greek concept of time both present and in historical sequence?

It is that sort of an evening. The eye is stimulated. The ear is agitated. The heart beats a bit faster in the more than strident moments. And a whole floodgate of ideas rushes by as you participate.
I must warn the timid, how that ‘Cronus VII’ is meant as strong meat and drink. It is not for those whose vision of art remains rooted in 19th century artistic concepts. (Not that there is anything wrong with them but it is – let us say - a dance to a different drummer.)
‘Cronus’ is an effort by the Taller de Montevideo to help us redefine our concepts of art, to broaden them. They and the many other artists working with multi-media devices (at least when are as serious and as talented as this group) are attempting to involve the viewer totally in the secret nature of all art.., and so to make it less secret. One ‘experiences’ ‘Cronus’, not views it. The outsider as much as the performer gives the work form and substance.
I commend an exposure to ‘Cronus’ to you. It is a completely together way to move into a rock night in Ravinia. And it sets you up cool and easy for something a little more classical. Either scene-it’s out of sight…”

 

SKYLINE, Robert Glauber – July 22, 1970

 

 

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Avant-garde at Ravinia

 

“For its 1970 season the Ravinia festival is planning a sharp departure from the traditional format of its art exhibitions…”

 

“…the Ravinia board has invited an avant-garde Uruguayan art group to present what will undoubtedly be an unprecedented event, for Ravinia or just about any other exhibition agency in the Chicago area…”

 

CHICAGO SUN TIMES, Franz Schulze – July 12, 1970

 

  

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The media at Ravinia

 

The Taller de Montevideo is both a mixture and a happy marriage

 

“…Yet there have been very few occasions in the past when a Chicago audience could see the mixed media in action, and fewer still when the action was presented with the elegance, precision and general elan of the Taller’s current 30-minute offering, ‘Cronus VII’...”.

 

“…They are good, it seems to me, mostly because they do not satisfy themselves with half-completed gestures or with ideas of’ small scope, shabbily crafted. Most of the mixed-media art I have so far seen has been more impressive in press release than in presentation, and that order is happily reversed at Ravinia.
If the mixed media really have the future their champions claim for them, it will be because examples like that of the Taller de Montevideo are followed and built upon”.

 

CHICAGO DAILY NEWS, Franz Schulze – July 4-5, 1970

 

 

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At Ravinia Park

 

Cronus: Environmental Interaction

 

 

“…The first times to be exhibited are ‘Cronus Seven’ a tenantable structure of white wood and chrome in the upstairs Casino Gallery, and a series of plastic movables in the downstairs area. Several Taller products also inhabit the lawn nearby. During the festival, several outdoor activities will continue the group’s environmental interaction with park visitors.A

Like so many contemporary art undertakings, this workshop’s creativity exploits the non categorical ‘partly’. For this reason, it is much easier to say what ‘Cronus Seven’ is not, than to describe what it is.

Altho at least four of its six members perform during the period of exhibition, they are only partly dancers and actors. Within their latticed cage - thin, movable strips of hanging wood – they organize themselves into the environment. Right angles predominate within their temporary home, so each performer moves in straight lines and turns square corners. An object is to be respected as well as tested and displayed, so each reach and grasp is made with concentration and care. There is no waste motion, no ragged edges of self-expression to betray the individual personality.

The environment is exceptionally carefully worked out. At its base there probably is a Corbusier module, or at least a golden section. No distance or linear dimension appears accidental. Flexible laths bent into a surrounding square by a supine performer take on a familiar arc. Other hollow squares and cubes jar and jiggle the eye in picket-fence moire patterns.

The lighting and sound – taped except for an occasional live scream – flash in from many directions in apparently predetermined plan. There are many objects within ‘Cronus’, but they, too, are preconstructed. The humans playing inside and outside – spectators have other mazes to move  thru while watching – have the only choices.

A ‘Cronus’ experience is not a happening; but is various as its inhabitants change relationships and find other ways of filling and fulfilling their environment…”

 

CHICAGO TRIBUNE SUNDAY, Thomas Willis – July 5, 1970

 

  

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CRONUS V


6e BIENNALE DE PARIS

 

 

MUSEE DE L'ART MODERNE

 

PARIS

 


1969

 

 

A technical Biennale


“…The VI Biennale de Paris devoted to artists between the ages of twenty and thirty-five, was largely an ode to technology. The fifty-two-nation show at the City of Paris Museum of Modern Art stressed team projects with the theme of environment, and man in a space orientated computerized future.
The Biennale is divided into four areas:
audiovisual arts, music, film and theatre. Motifs of the audiovisual section were motion and space and the mobility of environment. Spectator participation was emphasized through audiovisual- tactile structures designed to stimulate response as well as to demonstrate technological tooling. Two-dimensional expression formed about five percent of the entire exhibit.
The most striking experiment was Uruguay’s ‘Cronus V’ of the Montevideo Studio Group - Armando Bergallo, Gorki Bollar,
Clara Scremini, Hector Vilche, and Ernesto Vila. The live human body is incorporated into the art form and acts on the movable parts of this technical environment. The group received horary mention from the Biennale jury…”.

 

ARTS AND ARTISTS, Stephani Kalu - December 1969

 

 

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Teamwork

 

“…This work, ‘Cronus V’, by a group of Uruguayan artists, embodies the theme of the Sixième Biennale de Paris: collective work in the arts. This international exhibition of work by young artists from 52 countries opened Thursday at three Paris museums.

‘Cronus V’ by Taller de Montivideo was the government’s choice to represent the country…

 

“…It is the confrontation of technical elements, of people and objects put in motion by these same people and is based on the idea of the ‘indeterminate nature of time and space’…”

 

INTERNATIONAL HERALD TRIBUNE, October 4-5, 1969

 

 

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  CRONUS IV

 

LONDON


1968

 

 

Paving way to artistic experience

 
“…An enigmatic crop of large white, skeletal cube frames about 4ft. square suddenly sprouted on the pavement of Kensington Road at the bottom of Kensington Gardens yesterday.
This was an ‘experience’ staged by a group of young Uruguayan artists, called The Taller de Montevideo, who are based in London.
Its purpose was to involve passersby in sculpture and to test their reaction as they had to weave through, round, and in and out of the cube forest.
The group explained volubly, with flamboyant gesticulation, their doctrine that ‘what people used to call art is finished. It doesn’t work. These structures come from contemporary society, and we want to give them back to society’.
Their manifestation was not intended to be beautiful: ‘We don’t try to provoke a spiritual reaction, or an aesthetic reaction; or, an intellectual reaction, we just want a natural reaction’. This is the opening sentence in a conversation with the public.’…”

 

THE TIMES, Philip Howard – November 14, 1969

 

 

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  CRONUS III


THE PLACE

 

LONDON


1968

 

 

Dance moves to news areas

 

“…The final work in the second Explorations circuit, Cronus, was created by a South American group, Taller de Montevideo. This group from Uruguay, now working in London, was primarily a collection of young people involved in kinetic art. Now they have gone that stage further and brought dancers into their work. In a studio filled in the centre with a structure comprising a collection of white rostrums, with various planes and levels, from which emerge a series of white verticals, the dancers move around forming different relations and compositions with the structure which continually changed its nature owing to the most imaginative use of light and sound. The spectators move around the outside of this central structure so that they have an ever-changing kaleidoscopic vision of the relationship between all these elements. Occasionally a little colour will intrude, through light or coloured gelatines, but in the main it is a white environment which gets occasional dramatic intensity from the sparing use of any other colour. The combination of visual effects with pulsating sound creates a kind of limbo in which the spectator gets the sensation of being suspended between earth and sky.
Again I think the effect would have been greater had there been more room to move, to step away and get new angles of perspective through and across the main structure, and owing to these rather cramped conditions the audience were not so involved as they probably should have been - they were viewing an event rather than being a part of it. Taller de Montevideo is an impressive example of group creation, of painters and dancers working together, each forming an integral part of a whole and further proof of the way in which dance can move into other areas and form an essential part of a new involvement…”.

 

DANCE AND DANCERS, Peter Williams, Art editor – October 1969

 

 

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  CRONUS II 


LONDON


1968



 

 

“As man moves out to space in exploration of the possibilities that the universe may yield up, so are various art forms in new inter-relationship moving out towards a space that knows nothing of the old barriers and frontiers which in the past brought about artistic segregation.
Taller de Montevideo, a South American group primarily involved in kinetic art, is a fine example of the way in which the arts can be related, bringing a new sense of vision not only to those immediately involved in their events but also to the spectator.
The human body, whether static or moving, becomes an integral part of the group’s whole environmental structure which continually changes its nature owing to most imaginative use of light and sound. This would seem to imply that all their work was confined to a studio situation but this is not necessarily so because the group also works outside - in the streets, in the parks - where new relationships are formed with nature and which involve the passers-by who, with the sudden intrusion of the unexpected, realize a new experience that can heighten their sensibility and wonder”


Peter Williams, Art Editor, London - 1968

   

  

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  CRONUS I 


DE VERE GARDENS


KENSINGTON  LONDON


1967



 

 

Cronus in Kensington

 

Taller de Montevideo is a group of Latin American artists founded in 1963 who have exhibited sound and light objects in Paris, The Hague, Madrid, and in Uruguay. They settled in London in 1966 and made a kinetic mural for the Sirrocco Restaurant in Kensington. This year they exhibited at the Midland Art Gallery in Nottingham and will represent Uruguay at the I969 ParisBiennale. From May 15 to 22 they are holding an exhibition of their work and a ‘spectacle’ at 37 De Vere Gardens, London, W.8 (6 to 9 p.m. daily). Hugo Marquez, director of the Theatre for Group 65 in Uruguay, has collaborated with Taller de Montevideo in ‘Cronus’, which in addition to human beings, uses projections and a series of electric light constructions and kinetic works.

 

ART AND ARTISTS - May 1969

 

 

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  KINETIC MURAL

 


SIROCCO RESTAURANT



HIGH STREET KENSINGTON


LONDON



1967

 

 

Mutation Phenomena


‘Taller’ found more exciting opportunities to extend the limits of each experiment, enabling it to work out new relationships between art and technology – a problem which must be face by contemporary man. In May 1968 the group was invited by Notthingham’s Midland Group Gallery to represent Uruguay in a festival of Latin American Arts. The workshop’s most important work to date is a large kinetic mural in a London restaurant (38 High Street Kensington). The basic idea was conceived collectively – the main aim being the resolution of the problem posed by the individual spaces into which the structure is divided. Within these spaces geometric shapes move at different speeds. Coloured lights multiply the images of these moving shapes reflected in the various mirrors which form the outlines of each space. The integration of actual movement into the work creates a relationship of space and time producing a new type of dialogue for the spectator.

 

ART AND ARTISTS - January 1969

 

 

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  EXPOSITION

 

 

 

El Taller de Montevideo en la Galería El Bosco, Madrid

 

“…Su base ideológica parte del idealismo platónico-hegeliano a la vez que toma contacto con las arte precolombinas en el empleo del simbolismo-imagen. Esto fue el punto de partida.
Ya creado el taller, los artistas investigan las posibilidades del surrealismo y, dentro de esta línea, es en donde se pueden situar las obras expuestas en El Bosco.
El carácter experimental del Taller de Montevideo ha hecho que el trabajo de sus componentes vaya de un problema a otro, de una idea a otra, y por eso, aunque la personalidad de cada uno se impone en las obras, las expuestas en Madrid están realizadas con un común espíritu subjetivo que llega hasta la narración. Son obras hechas como «juego» en el sentido de libertad de movimientos, pero la incisión en el mundo surreal, y la coincidencia, les proporciona cierta analogía…”

 

“…El Taller de Montevideo tiene interés, no sólo porque nos da a conocer el arte más joven de aquellas latitudes, sino porque nos ofrece la posibilidad de comprobar cómo aun trabajando juntos, con los mismos planteamientos ideológicos y estéticos, se puede ser distinto…”


Isabel Cajido – 1967

 

 

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  MURAL 

 


MONTEVIDEO

 


1964

 

El equipo de artistas que componen el ‘Taller de Montevideo’, los que actualmente realizan una muestra de sus obras en el “Jockey Club”, se hallan en estos momentos dando termino a un gran mural en la Galería de La Casa Caubarrére. Este trabajo de rígida línea constructivista depurado en su estructura, y llevados sus signos naturales a una disciplina de composición, dan una pauta de las condiciones de estos jóvenes, cuya labor se verifica a través de etapas, el la cuales el color magnifica la geométrica factura del contenido plástico. Son los autores de la obra mural, los pintores: Clara Scremini, Armando Bergallo, Gorki Bollar y Hector Vilche.

*en la foto con Susana do Pazo, alumna del Taller de Montevideo.

  

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acrylique sur bois, 20 m x 3 m - 1964.

 

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Texte

Texte de Pierre-Frédéric Ténière-Buchot.
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